摄影技艺汇编
[b][size=5][color=red][align=center]目 录[/align][/color][/size][/b][align=center][color=blue][/color][/align][align=left][color=blue]1.摄影基本常识2.如何恢复在存储卡中误删除的数据文件
3.使用数码相机摄影技巧
4.十大拍摄技巧
5.使用变焦镜头的10条经验
6.街头巷尾的拍摄技巧
7.夜景摄影的一些技巧[/color][/align][align=left][color=blue]8.艺术与摄影
9.户外拍摄人像的一点心得
10.关于逆光摄影
11.摄影十大谬误
12.户外拍摄有十忌
13.偏振镜认知攻略
14.和大家谈谈摄影构图
15.对几个摄影问题的看法
16.摄影常见相关法律问题的解释
17.购买数码相机需注意的一些参数
[/color][/align] [b][size=4][color=#ff4500]摄影基本常识 [/color][/size][/b]( 转自摄影网 )
[b]摄影基本常识（一）相机的分类 [/b]
相机问世至今约150周年，由於时代的变化与科技的进步，已演变出许多种的类型，而想接触摄影就必须对这些相机有最起码的了解，以下便是依不同的分类法予已分类，大家可作为参考：
[color=blue]（一）依观景器系统区分拍摄照片时，我们观看拍摄目标、范围的玻璃窗便是观景器[/color]
1.单眼反光观景器系统：这是目前最普遍的相机观景器，它是利用镜头後面的反射镜将镜头所捕捉到的画面加以反射，再利用五口镜加以折射，使我们从观景器中看到 正立的影像！
2.透视观景器系统：它没有所谓的反射镜及五□镜，光线是直接经由观景器进入我们的眼 睛，再作较近距离的摄影时，底片成像的范围与观景器中的影像范围会有不同，既所谓的视差！
3.双眼反光观景器系统：此种相机拥有上下两个镜头，上面的镜头担任观景器的任务，下面的才是实际拍摄的镜头，此系统会因为上下镜头位置的不同而加大视差！
[color=blue]（二）依对焦系统区分[/color]
1.手动对焦： 对焦就一张照片而言是很重要，所谓的对焦便是调整对焦环，透过观景器的预视，使影像清晰的成像於软片上。若利用手调整对焦环来完成对 焦的工作，而不是靠相机自动对焦，便称为手动对焦！
2.自动对焦： 而自动对焦的相机则是利用内置的马达来驱动调整对焦环，不需手动 ，但自动对焦的相机必须要配合自动对焦的镜头，才可发挥此项功能，若不习惯的话，则可利用相机上的自动 /手动的切换扭，变成手动。若是自动对焦的相机接上手动对焦的镜头时，便只能利用手动对焦。目前较新型的电子式相机，不管单眼的相机或是双眼的傻瓜相机（无法更换镜头）， 便是这类型的相机。而较老式的相机大多属於手动对焦。
[color=blue]（三）依相机使用的软片大小来区分：
[/color]1.使用35mm底片的相机 --- 135 相机 底片大小24mm x 36mm ，这是目前大众最常使用的底片。
2.使用布朗尼底片的相机 --- 120 相机 此种相机可装 3种不同大小的底片： ~ 57mm x 57mm ( 简称 6 x 6 ) ~ 56mm x 70mm ( 简称 6 x 7 ) ~ 60mm x 69mm ( 简称 6 x 9 )
3.使用软片盒的相机 插盒式装片的相机有两种规格 --- 126 相机 --- 110 相机 4.使用特殊底片相机 16mm or 4 x 5 inch or 8 x 10 inchΩ [b]摄影基本常识(二)镜头 [/b]
最原始的相机是一个开有小孔的暗箱，景物反射的光线通过小圆孔 ，再射到感光片上，因光线是散发的，通过小孔会继续散开，原本由点发出的光线在感光片上是形成圆，影像便由许多的圆而不是点构成，自然不够清晰，於是发明了透镜来取代圆孔．单一凸透镜片是最简单的透镜，但仅比小圆孔还好一点，影像并不够清晰便造成像差．若用多片透镜组合，使各片透镜的像差减到最小，就是现在所有相机普遍采用的复式镜头．在介绍镜头前，必须先解释一下″焦距″这个名词，就单式镜头而言，焦点与镜头中心点的距离便是焦距；复式镜头的焦距俗说是焦点与光圈位置间的距离，实际上是焦点与镜头後节点的距离，望远镜头的後节点远在最前镜片之前，广角镜头则在最後镜片之後，所以依镜头设计的不同而有所差异．
以下便以焦距的分别来介绍镜头：
[color=blue] １．标准焦距镜头：[/color]他的视角约５０度，也是人单眼在头和眼不转动的情况下所能看到的视角，所以又称为标准镜头．一般初 学者多由标准镜头开始练习，待进步到标准镜头不够 用时再换其他镜头．３５mm相机的标准镜头的焦距多 为４０mm，５０mm或５５mm．１２０相机的标准镜头 焦距多为８０mm或７５mm，相机片幅越大则标准镜头 的焦距越大．
[color=blue]２．广角镜头：[/color]因摄影角度广而得名，适用於拍摄距离近且范围大的景物，又能刻意夸大前景表现强烈远近感既透视．３５mm相机的典型广角镜头是焦距２８mm，视角为７２度．１２０相机的５０，４０mm的镜头便相当於３５mm相机的３５，２８mm的镜头．
[color=blue]３．长焦距镜头：[/color]适於拍摄距离远的景物，景深小容易使背景模糊主体突出，但体积笨重且对动态主体对焦不易．３５mm相机长焦距镜头通常分为三级，１３５mm以下称中焦距，１３５－５００称长焦距，５００以上称超长焦距．１２０相机的１５０mm的镜头相当於３５mm相机的１０５mm镜头．由於长焦距的镜头过於笨重，所以有望远镜头的设计，既在镜头後面加一负透镜，把镜头的主平面前移，便可用较短的镜体获得镜体获得长焦距的效果．
[color=blue]４．反射式望远镜头：[/color]是另一种超望远镜头的设计，利用反射镜面来构成 影像，但因设计的关系无法装设光圈，仅能以快门来调整曝光．
[color=blue]５．巨像镜头（marco lens）：[/color]除作极近距离的巨像摄影外，也可远摄． 镜头型式 焦距(mm) 摄影角度 鱼眼镜头 8 180 超广角镜头 15 110 20 94 24 84 广角镜头 28 74 35 62 标准镜头 50 46 中焦距镜头 85 28 105 23 135 18 长焦距镜头 200 12 400 6 超长焦距镜头 600 4 1200 2 以上是镜头大约的分类，希望可作为各位的参考！ [b]摄影基本常识 （三)光圈 [/b]
照相机的镜头有一个控制透光量的装置，就叫光圈．光圈开的大，透光量便大；开的小，透光量便小．但只靠光圈还不能完全描述作用於软片上的光线 强度，镜头与软片间的距离也有关系，也就是和镜头的焦距有关系．焦距小光 圈离软片较近，光线的作用便较强．有一个名词－－光圈系数，光圈系数是将 镜头焦距除以光圈的直径所得的值，用ｆ表示．
例如有甲乙丙三镜头，甲镜头 的焦距为５０ｍｍ，最大光圈直径为２５ｍｍ，则光圈系数是５０／２５＝２ ，我们说它是ｆ２的镜头；乙镜头的焦距为３５ｍｍ，最大光圈直径为１７． ５ｍｍ，光圈系数是３５／１７．５＝２，我们也说它是ｆ２的镜头；丙镜头 的焦距为１００ｍｍ，最大光圈直径为２５ｍｍ，则光圈系数是１００／２５ ＝４，我们说它是ｆ４的镜头．乙镜头的孔洞比甲镜头小，但光圈系数相同， 於是透光到软片上的强度是一样；甲丙镜头的孔洞一样大，但光圈系数不同， 於是透光到软片上的强度是不一样的．所有相机镜头的光圈都已标准化，就是f1,f1.4,f2,f2.8,f4,f5.6,f8,f11,f16,f22,f32等．
[color=blue]光圈的功能有二：
[/color]1.控制光量的透入：光线透过镜头射到软片的强度是和光圈系数平方成反比，也就是相邻两级的光圈作用於软片上的光线强度有两倍的关系．ｆ２是ｆ２．８的２倍，ｆ２．８是ｆ４的２倍．
2.调节景深：所谓的景深，就是镜头对焦处前後所能成像清晰的范围，它镜头焦距，光圈，及被摄景物主体的距离有关，镜头焦距越短，光圈越小，被摄物的距离，景深越大清晰的范围越大，反之亦然．所以就光圈来讲，小光圈景深大，清晰细密的表出远近的明锐感；大光圈景深小，则可使主体突出，表现主体以外前後主题的模糊感．值得一提的是，若要前後景物都清晰，应使用小光圈，但以小到能涵盖希望的景深即可，不必过小，过小便会受到绕射的影响，反而降低其解像力！ [b]摄影基本常识 （四)快门 [/b]
相机的快门是控制曝光时间长短的机关，快门经常处於关闭状态，已防装在相机内的底片露光，摄影时将它一开一闭，让透过镜头的影像光线作用於软片上。早期的座架式相机没有快门装置，仅备一镜头盖套在镜头上，取景对焦时取下镜头盖，套上镜头盖再装感光片，摄影时将镜头盖掀开一刹那时间遂即盖上。现在快门已进步到由机械或电子操纵开启时间。
[color=blue]快门的功能有二分述如下：[/color]
１．开启时间的长短来控制透入光量的多寡。假若被摄体的明度和镜头的光圈 不变，快门开启时间长，作用於软片的光量多，快门开启时间短，作用於 软片的光量少。快门开启时间的长短叫做快门速度（Shutter speed)。为 便於调整曝光，镜头快门相机的镜头上装有快门速度调整环，焦面快门相 机（较普遍）的机身上装有快门速度调整环。在快门速度调整环上，将快 门速度分为若干级。为配合光圈调整曝光，每相邻两级的快门速度也是二 与一之比。所有各种相机的快门速度分级都以标准化，即 4, 2, 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15,1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000, 1/4000, B, T。 快於一秒的快门速度的刻度只用 2,4,8...等分母数字表示，分别代表1/2 ,1/4,1/8.....，一秒及慢於一秒的用不同颜色数字标示。B为Bubble的缩 写，代表按下快门钮时快门便开启，放松便关闭。T是Time 的缩写，代表 按下快门钮时快门便开启，再按一次才关闭。
２．配合光圈曝光：摄影曝光正确，才能产生层次丰富细节清晰的照片。曝光 要正确，必须按照软片速度与光圈强弱，将快门速度和光圈适当配合。 [b]摄影基本常识（五）曝光 [/b]
曝光值是用一定速度的底片，将快门速度与光圈系数相配合表示曝光量的数值。曝光值的计算方法是以ISO 100为基准，令光圈系数f1，快门速度一秒的曝光量为零，亦即 EV为0，由 0起顺序排列0，1，2，3，4，5 ......，分别代表逐项减半的曝光量，亦即每相邻两值的曝光量为二与一之比。曝光值为1 的曝光量是为0 的 1/2倍，可以是f1.4，1 秒。曝光值为2 的曝光量可以是f1.4，1/2秒或f2，1秒。同一个曝光值可有许多不同的快门速度和光圈系数的组合，其曝光量都一样。 f11，1/60秒和f8，1/125秒和f4，1/500秒的曝光值都是 13，表示曝光量相等。凡快门速度与光圈系数可做不同的组合而产生相等的曝光量者 ，称为曝光对等律。以下便是以ISO 100/21为基准的曝光值，各位可以比较看看： f1.4 f2 f2.8 f4 f5.6 f8 f11 f16 f22 1 sec 1 2 3 4 5 6 7 8 9 1/2 2 3 4 5 6 7 8 9 10 1/4 3 4 5 6 7 8 9 10 11 1/8 4 5 6 7 8 9 10 11 12 1/15 5 6 7 8 9 10 11 12 13 1/30 6 7 8 9 10 11 12 13 14 1/60 7 8 9 10 11 12 13 14 15 1/125 8 9 10 11 12 13 14 15 16 1/250 9 10 11 12 13 14 15 16 17 1/500 10 11 12 13 14 15 16 17 18 1/1000 11 12 13 14 15 16 17 18 19 不论何种方式的测光，当相机测出某种光圈快门值时，它所依据的标准是：用这样的光圈快门，将景物拍城中灰色调的明亮度！在自然界中，各种物体的明亮度（反射率）都不同，但平均以中灰色反射率（18 %）居多，因此相机便以这种色调为曝光正确的标准。因此当我们希望所拍摄的 物体比中灰色调亮一些时应加大光圈或降低快门速度，如拍摄白色的墙时，应依据相机所测得的值加一或二倍的曝光量，这样墙才会呈现白色；希望所拍摄的物体比中灰色调暗一些时应缩小光圈或增快快门速度，如拍摄黑色的墙时，应依据相机所测得的值减一或二倍的曝光量，这样墙才会呈现黑色！ [b]摄影基本常识（六)滤光镜 [/b]
摄影时基於某些目的，需要用一种镜片阻挡某些波长的光线，使其 不通过镜头进入相机，或限制其通过的分量，这种镜片就叫做滤光镜，又称滤色镜。
滤光镜大致分为六类：
[color=blue]（一）[/color]对比滤光镜：用在黑白摄影改变被摄景物某一色调以提高对比的滤光镜，又称反差滤光镜。对比滤光镜的运用原则是，要使某色彩在照片上的色调变浅时，采用通过该色光的滤光镜，要使某色彩在照片上的色调变深时，采用吸收该色光的滤光镜。例如拍摄带有绿叶的红花，若红花与绿叶的明度相当，则在照片上的色调几乎没有差别，可用通过红光的虹色滤光镜，使红花的色调变浅。一般用较重要的对比滤光镜有六种，每一种又分成浅中深三级： 1.红色滤光镜：吸收绿蓝紫色，主要通过红色，次为橙黄色。 2.黄色滤光镜：吸收蓝紫色，主要通过黄色，次为红橙绿色。 3.橙色滤光镜：介於红色和黄色滤光镜之间。 4.绿色滤光镜：吸收红橙蓝紫色，主要通过绿色，次为黄色。 5.黄绿色滤光镜：介於黄色和绿色滤光镜之间。 6.蓝色滤光镜：吸收红橙黄绿色，主要通过蓝色，次为紫色。
[color=blue]（二）[/color]紫外线滤光镜：简称UV，紫外线是看不见的的光线，但软片对其的感应却很强，所以拍摄风景时宜利用紫外线滤光镜来吸收远景的紫外线，以减小其对底片的作用，加强影像的清晰度。又有名为天光镜(sky light filter) 者，也是紫外线滤光镜的性质。
[color=blue]（三）[/color]中色滤光镜：简称ND，中色滤光镜对各种光的吸收率相等，是用 来减低通过镜头的光量。当使用最小光圈或最快快 门，还曝光过度时，便需要中色滤光镜来减低曝光 值。它分为二倍、四倍、八倍三种，所谓的倍数是 只曝光倍数而言。
[color=blue]（四）[/color]偏极滤光镜：简称PL，它是由许多方向一致的极小晶体构成，从 天空，水面，非金属光滑表面某个角度反射的光线 会被偏极. 若在镜头上装偏光镜，既可管制这些反 光，把它消除或减弱，以表现物体的质地.
它大约 有以下四个功能:
1.控制天空的色调：彩色摄影若要加深蓝天的彩度,可使用偏光镜,树木和水面的彩度也会因部份反光被吸收而加强。
2.控制物体的反光：从非金属光滑表面所反射的光，用偏光镜来 控制是很理想的，例如拍摄橱窗内的商品或隔著水面拍水底的景物等，其中又以三十度左右斜对反光面较有效。
3.提高彩度。
4.代替中色滤光镜：偏极滤光镜的曝光倍数和四倍的ND相近，所前者可以代替後者。
[color=blue]（五）[/color]红外线滤光镜：他吸收紫外线以外的所有可见光线，仅通过红外线。专用於红外线软片摄影。 （六）色温平衡滤光镜：彩色软片是针对标准色温而设计的，使蓝绿红 三层乳剂的色感和速度达到平衡，以求色彩平 衡。但太阳光线早晨到黄昏的色温不同，阴天 晴天的色温也不同，灯光色温因电压而不同。 当光源的色温不符合软片色温的要求时，便会 呈现偏色，需要用色温平衡滤光镜。 [b]摄影基本常识（七）色温 [/b]
关於彩色摄影，色温会影响一张照片的感觉。在早晨或黄昏拍摄的照 片会偏红，在钨丝灯光下拍摄照片颜色会偏黄，这些现象都是因为当时的 色温不能符合软片的色温标准而产生色偏。在物理上，把称做完全黑体的 物体完全加热，温度上升，开始变成红色呈红热状态，再继续加热会变成 白色，呈白热状态。在红热状态时，光源放射能低，光波长，其红色成分 较多，白热状态时，光源放射能高，波长短，其蓝色成分多。凡发光物体 温度越高，光的颜色越白，温度越低，光的颜色越红。在同一钨丝灯下电 压低时的灯光比电压高时还红。 应用在摄影方面，色温就是发光物体由红 到白色各级温度所放射光线中包含颜色的成分。色温高低的度数以 K 表 示，也就是将摄氏温度 +297。色温K数变化时，蓝色光的成分并不随其等 量的变化，所以在加滤光镜调整色温时换算不是很方便。於是有DM值的设 计，DM值的计算方法是将色温K 数倒数的十万倍，所以色温越高，DM值越 低，色温越低，DM值越高。用DM值的优点是，DM值变化时，光线的蓝色成 分随其等量变化，如此就可以由软片色温的DM值和光线色温的DM值的差额 ，来决定用什麽号数的色温滤光镜。例如日光型彩色软片色温标准为19DM （相当5400K），用在光线色温 14DM（相当7000K）的情况时，两者相差5DM，应用红色R5号滤光镜以降低色温。 时间 光源色温K数 光源色温DM 日出时 2000 50 日出後或日落前20min 2100 48 日出後或日落前30min 2400 42 日出後或日落前40min 2900 35 日出後或日落前1hr 3500 29 日出後或日落前2hr 4500 22 日出後或日落前3hr 5400 19 平均中午日光 5400 19 阴天 6500-8000 15-13 萤光灯 7000 14 电子闪光灯 5500 18 蓝色闪光灯泡 5400 19 白色闪光灯泡 3800 26 照相用泛光灯 3400 29 家庭用500W灯泡 3000 33 照相用钨丝灯 3200 31 家庭用100W灯泡 2900 35 彩色软片是针对标准照明的色温而设计，日光型软片以晴天中午5400K 为标准，灯光A型正片以泛光灯光3400K为标准，B型正片与L型负片以钨丝 灯光3200 K为标准。当色温不符合软片色温标准时，就不能摄得色彩纯正 的底片，需要用色温平衡滤光镜（LB滤镜）来调整！ LB 滤镜大约分为4系列 ： 80系列（升温） 81系列（降温） 83系列 85系列（降温） 80A 3200 K --- 5500 K 80B 3400 K ---5500 K 80C 3800 K ---5500 K 80D 4200 K ---5500 K 81A,81B,81D,81EF将色温6000K - 8000K - 5000K 升至 5500 K 85A 5500 K --- 3400 K 85B 5500 K ---3200 K 85C 5500 K ---3800 K [b]摄影基本常识（八）---软片的种类 [/b]
[color=blue]（一）[/color]彩色正片： ＫＯＤＡＫ
（1）k-14 （需送国外冲洗） KODACHROME 25(PKM) - 彩色正片之王，粒子极细，解像力极高， 略带洋红色调，适合拍白色人种。 KODACHROME 64(PKR) - 多用途底片，特徵同PKM。 KODACHROME 200(PKL) - 高速底片，特徵同PKM。
（2）E-6 EKTACHROME 64(EPR) - 粒子细、解像力高，特徵略像KODACHROME 系列，但对绿色的感应稍差，不适合来拍风景。 EKTACHROME 100 PLUS(EPR) -色彩表现较强烈，其馀同上。 EKTACHROME P800/1600(EES) -高速底片，可当400、800、1600度 使用。 ＦＵＪＩ FUJICHROME Velvia(50 RVP) -色彩极鲜艳，粒子极细，解像力极极高，有取代PKM成为下一代彩色正片之王，对一般底片无法正确还 原的紫色有极佳的表现，同时对绿 色、蓝色有非常的表现能力。 FUJICHROME 100D(RDP) -中等感光度，色彩还原最正常的底片，用 途非常广泛。 FUJICHROME 400D(RHP) -高感光度的底片，色彩不错。 FUJICHROME 1600D(RSPⅡ) - 超高感光度的底片，可当400、800、 1600度使用。 另有FUJICHROME 100D(RD)为一般用底片。 一般来说 FUJI的底片色彩表现较自然，适用一般用途，KODAK 的 底片有较多的选择性，适合特殊用途。
[color=blue]（二）[/color]彩色负片 KODAK EKTAR 25(PHR) -彩色负片中粒子最系、解像力最高的底片。 EKTAPRESS GOLD 100(PPA) -报导摄影专用底片，色彩表现略差。 EKTAPRESS GOLD 400(PP -特性同上，与 PPC为唯一可增感的彩色 负片。 EKTAPRESS GOLD 1600(PPC) -同上。 另有KODACOLOR GOLD 100、200、400等一般底片。 FUJI FUJICOLOR REALA(100) - 感色性最正常的负片。 FUJICOLOR HG(100)一般用底片。 FUJICOLOR SUPER HG 400 -高速底片，颜色相当漂亮。 FUJICOLOR SUPER HG 1600 -超高速底片。 KONICA SR-V 100 -一般用底片。 SR-G 3200 -有史以来最高感光度的彩色负片。 彩色负片的特色不像正片那麽明显，因洗出一张照片需要经过相当多 的步骤，其中冲洗店扮演一个非常重要的角色。
[color=blue]（三）[/color]黑白负片 KODAK Technical Pan 2415(25°) -最低感度黑白负片，有极高的解像力 非常广的黑白色调、极端细的粒子， 可称为黑白负片之王。 T-MAX 100(TMX) -解像力高、优异的色调，可惜粒子稍粗。 T-MAX 400(TMY) -高感光度、擅增感，粒子粗。 T-MAX P3200(TMZ) -粒子较同及底片细，可增感至25000°。 FUJI NEOPAN SS(100°) -最普遍的黑白底片，粒子细，但色调表现较差。 NEOPAN 400 Professional -粒子细、色调宽广，对比稍低。 NEOPAN 1600 Professional -超高感度底片、粒子较粗。 ILFORD: PAN F(50°) -粒子极细，解像力极高，感色性稍异。 PAN 100 - 粒子细 FP4 (125°) -色调优美、但粒子稍粗。 HP5 PLUS(400°) -粒子细、色调宽广、对比稍低，可增感至3200° 400 DELTA -粒子很细、色调优美、不能增感。 [b][size=4][color=#ff4500]如何恢复在存储卡中误删除的数据文件
[/color][/size][/b][color=blue]一、缘起：[/color]
使用数码相机，存储媒介有常见的CF、SM、SD卡还有记忆棒等，我们拍的照片就以图像文件的形式存储在这些FlashMemory介质里，有时因为主观或者客观的种种原因，会出现误操作将有用的照片或者其他数据文件误删除。这时，除了捶胸顿足之外还有什么补救措施能够挽回么？
[color=blue]二、原理：[/color]
大家都知道，现在有很多硬盘数据恢复工具，如RecoverNT、Lost&Found、FinalData、EazyRecoveryPro等等，用来恢复在硬盘分区上误删除操作引起的数据丢失。我们自然会想到，这些磁介质上的恢复工具能用在闪存卡上么。要解答这个问题，还要从数据恢复工具的工作原理入手。
计算机专业毕业的兄弟一定记得，在《操作系统原理》这门课中我们学过，文件在磁盘等存储介质下是“杂乱无章”的随机存储，OS如何找到这些存储的文件，要靠文件系统，在MS的Dos/windows架构下，就是FAT，简而言之，就是一个索引，其中原理就不再详述了。而通常我们在OS中所进行的Delete操作，实际上并不是将这些数据在磁盘中完完全全像擦玻璃一样抹得干干净净，实质上OS只是在FAT表中对相应索引这些数据的部分做了一个“已删除”标记，这就表示，在OS的今后的文件存取操作中，这段已标记删除的部分已经可以当作空白空间使用了。同理，FORMAT是格式化命令，它并不是将硬盘数据区中的数据完全破坏，只是将文件分配表（FAT）置空而已。所以，简单删除的数据并不是真正的安全，如果想要达到安全级别的删除的话，还要通过专门的操作（简单的说，就是在标记删除的文件存储区域用一些无意义数据比如Null强行覆盖若干遍，覆盖的次数越高，数据变化越多，安全级别就越高。这就是Norton Utilities里面WipeInfo工具等的工作原理）。正是这种删除原理给了我们恢复数据的可能，只要实际存储数据的地方没有被新的数据覆盖掉，那如果我们能重新恢复FAT表中原来的文件标记，数据就能被OS的文件系统重新识别，也就是“恢复”了数据。
以上是基于磁盘等磁介质的数据恢复原理，有些朋友会说，这些是磁介质的随机存储方式，闪存不是磁介质，两码事儿。恰恰相反，只要是随机存储方式，跟用什么介质存储，根本没有任何关系，上面那种想法属于想当然而已。只要是遵循DCIM标准的数字相机（目前市场上已经几乎找不到不遵循此标准的数码相机了），那他对闪存的操作方式和PC对磁盘的操作方式都一样，就是通过FAT文件系统管理照片文件。同样，闪存和磁盘一样，也是通过扇区、簇等分割方式管理存储空间。所以，从理论上讲，闪存上的数据恢复和磁盘上一样，不但是可能的，而且是很容易实现的！（当然，市面上有很多MP3机采用的不是标准的文件管理系统，而是自己定义的管理和存储方式，如果是样的MP3机操作的闪存，就不能用通用的方法来恢复数据了，解铃还需系铃人，需要了解其数据结构，一旦了解，数据恢复仍然是有可能的）。
[color=blue]三、操作：[/color]
具体操作方式如下，
1.一旦发现进行了误删除、误格式化等操作，首先就是停止任何新的写入数据操作！这一点一定要切记，是能否全部恢复数据的关键前提。
2.将闪存卡插入读卡器，连接到PC上，会在PC里看到出现可移动磁盘和分配好的盘符。
3.这时，启动你早已准备好的数据恢复软件（RecoverNT、Lost&Found、FinalData、EazyRecoveryPro），这里，我以RecoverNT做操作例子（因为这个是绿色软件，界面简洁，操作容易，扫描速度快）。选择“文件”菜单中的“打开驱动器”，出现驱动器选择对话框，选择闪存卡相对应的可移动磁盘盘符即可，下一步软件会自动对闪存卡所有簇进行扫描，闪存卡容量越大，相应的簇越多，扫描过程也会长一些。
4.扫描完毕后，主界面会出现扫描结果，大家可以看到，除了正常存储的文件之外，扫描出来的已经被删除了的文件用特殊的图标标记出来，如果是目录被删除，则可以进入到该已删除目录里面，即可以看到做了删除标记的文件。
5.此时，鼠标选中要恢复的文件，在右键菜单选择“保存”，会出现保存对话框，这里要千万注意的一点是：一定不能保存在原分区上，请另行选择一个分区保存恢复出来的文件。多个文件类似操作即可。
6.好啦，大功告成，赶紧去检查一下那些已经恢复的宝贝文件吧。
注：这种恢复方法，经过我的实际测试，在CF卡（winward 128MB，由Canon Pro90拍摄的照片文件（RAW格式、JPEG格式经相机删除、格式化操作））、SM卡(winward 128MB，由创新Nomad IIMG保存的MP3和NVF录音文件经删除，格式化)、SD（PQI 64MB，由Casio EM500上保存电子书格式文件经删除）卡上；分别通过软件RecoverNT和EasyRecoveryPro都可以完美的全部恢复。不过要注意的一点是，目前的大部分数据恢复软件，对中文文件名的文件恢复支持都有些小问题，恢复时你得手动改名才可能恢复。 RecoverNT、Lost&Found、FinalData、EazyRecoveryPro这些软件，都是商业或共享软件，英文不好的网友们也能找到汉化版，大家可以在网上找到。 [b][size=4][color=#ff4500]使用数码相机摄影技巧 [/color][/size][/b]作者： 凌鲲
随着数码的不断普及，数码相机(DC)已不再是罕有的物体。而数字化的今天，对人们在原来的拍摄技艺的基础上又提出了新的要求，不少初级用户反映：数码相机拍摄出来的图片暗淡，欠缺活力、噪点多、景深浅（特别在微距模式下）、偏色等。但摄影本来就是心灵与光线沟通的桥梁，要掌握传统拍摄技艺并非易事。下面就让笔者为大家简述一下数码相机在拍摄中必需注意的问题，同时也讲述一些拍摄前后的事项。
[b]1、 浏览说明书[/b]
很多用户都不喜欢厚而繁琐的产品说明书，一般买数码相机购回后都喜欢自行摸索。当然，在摸索过程中会出现一些惊喜，但这会花费的不少时间，而且也不能以最短的时间系统了解你手中的产品的特性；如果看过说明说后再操作的话还可以避免一些错误操作。因此在初接触新品时，应简要先浏览一回厂家为大家用心汇编的说明书，熟悉一下数码相机的基本菜单与功能。以后再有所不明时也可以翻一翻它，会有所收获的。
[b]2、 合理选用图像格式[/b]
我们都很清楚，数码照片的质量与象素（分辨率）有关，象素越高图像质量就会越好。而经实际情况的推算，200 万象素的数码相机大约与 1200 dpi 的扫描仪拥有同等的数字影像撷取能力，而 600 万象素的数码相机则可视为与 2400 dpi 的扫瞄器同级。若只是使用一般的平台扫描仪进行相片数字化，那么数码相机只要 200 万 ～ 300 万象素就可轻易地胜过 35 mm 相机了。不过，如果输出 4"x6"，约 A6 大小，使用 200-300 万象素足可满足一般人的需求。而若只是用于电脑72 dpi的显示器，要求就更低了，分辨率为1024X768，才约为80万象素，任何一台二百万级别的DC都可以游刃有余。因为数码相机储存空间有限，因此我们要因地制宜，合理选用分辨率，如：只用于PC的，对于本人的SONY DSC-S75一般使用1280X960；如应用于印刷，一般采用1600X1200；拍生活照时当然用2048X1536。在要求不高的情况下，压缩标准也采用STANDARD，这可比FINE的压缩标准存多一半的图片呢！
[b]3、 构图与思考[/b]
对于摄影有一定了解的用户来说，都清楚明白准确构图的重要性。如：若不是拍摄特写，一般应把主体放在画面的1/3处，同时尽量避开杂乱的背景，从特别的视角来拍摄，尽量捕捉物体的细节与个性，利用一些斜线或曲线的背景构图会让整体画面看上去更为生动。
另外，我们要善于运用二维的眼光观察。因为摄影只有二维空间，它通过透视关系（即光和影的造型效果为参照物）来表现空间感，不同于从两个不同角度观察事物的三维人眼。不过，现时的数码相机绝大部份都有直观LCD取景屏，而且其视野率均在90%以上，有些接近100%，如S75就达99%。可以直截了当地观察到空间感和距离感是否足够，可做出及时的调整。不过一般的数码相机LCD的分辨率都比较低，清晰度一般不能令人满意，但笔都对S75还是挺满意的。可也不能迷信于它，因为在实际上使用中发现：在LCD中显示曝光轻微过度，在电脑的显示器中显示曝光量度刚好。这也是有部份用户总是拍出暗淡图片之因。
而且LCD耗电量也一直让"色友"们头痛，因此有不少"色友"在拍摄中还是习惯于使用光学取景器，就考虑到光学取景器的视野率只有80%-90%，而在拍摄近特写还要记得它可是旁轴的呀！当然，想拍出壮观的画面还得闭上一只眼睛，用两只手的拇指和食指搭一个"镜框"，把眼前的景象想象成一幅印在书里或挂在墙上的画……
[b]4、 不要迷信DC的自动模式[/b]
首先，和传统相机另一个最大的差别是DC有一个白平衡。这有点类似于传统摄影中的色温，也正是由于初学者没有重视这白平衡，所以才会生产偏色。DC一般都提供有自动、室内、室外、手动四种模式，初学者都信赖AUTO，可往往拍出的图片偏了某一颜色，只要我们细心注意LCD取景窗是可以看出的。当我们刚拍摄到某一实物，该实物一般偏重某一颜色，假如蓝色，这时DC的白平衡会自动偏向于蓝色，再拍摄其它实物时自然也是会偏色的了。这点虽然在LCD中会体现出来，但初学者一般都没发觉。同时，有些模式也不尽完善，如：SONY的DC在室内模式下都有"蓝色综合症"现状，因此我们还是尽可能使用手动白平衡为好。而且，还要密切留意LCD的色彩变化，一发现该白色的不是白色，就得重新对白色的实物取光修正白平衡。另外，有些数码相机也具备了自动包围式白平衡的功能，以便记录准确的色彩信息。
其次，光圈、快门的控制。建议若有手动的也应使用手动模式，因为自动模式下通常拍出来的图片暗淡，特别是窗内，噪点也多。因为在室内拍摄时，DC一般会自动提升ISO值，如：SONY DSC-F505V在室内一般达282左右，而感光度与影像质量成反比关系，即选用的等效感光度越高，影像质量越差。这和传统感光材料的特性类似，只是在数码相机上这种特性表现更为明显。因为传统摄影中，我们通过选择不同的感光度胶卷或者通过"提速增感"来改变拍摄时的感光度，但是数码相机就不能这样做，它只能通过提高CCD的灵敏度以及电路的增益来提高CCD的反应速度，即牺牲滤波性能和分辨率指标为代价，这样做就会产生一个信号噪声的问题，并最终在画面上留下痕迹，这一点和传统的高感度胶卷的粗颗粒十分类似。所以在用数码相机拍摄时，若想获得好的成像质量应尽可能地选择低的等效感光度，或直接固定在最小值。
再次，DC都有微距模式，而且数码相机的光圈一般较大，达F2.0左右。在自动模式下，相机的程序也倾向于使用较大的光圈以缩短快门时间，防止震动。但摄影常识告诉我们，照相机镜头的收缩一般从最大光圈收缩两级左右拍摄的照片效果最好。尤其是在微距模式下，如：SONY DSC-F707在拍花朵时，只有中间部份清晰细腻，周边的都带轻微的模糊。因此，我们最好使用光圈先决或全手动模式，使用较小的光圈以扩大景深。如果相机没有光圈优先功能，可以试着尽量提高环境亮度，让相机自动选择较小的光圈或者使用闪光灯，图像质量也能有所改善。
[b]5、正确用光、与光线对话[/b]
光是摄影的灵魂。因此我们要留心光线的变化，不仅是光的强度，还有光的方向，用心与光线对话。如：落日把晚霞染成红色，象征着浪漫；阴暗的天空呈现出灰色的冷色调，象征着忧郁；树荫中撤下一束阳光，透射出欢乐、愉悦的情绪……。
分辨光的强度
硬调光通常是由单一光源发出的，比如：太阳、聚光灯、闪光灯或单只灯泡。在这种照明下，被摄体反差较大，细节和质地被突出。你可以运用这种光线获得纪实效果。与此相反，漫射光线产生的光质较软。室内间接的照明，户外的树阴和阴天时都属于这种情况。在这种光线条件下拍摄肖像和静谧的户外风景都是再理想不过的了。
讲究用光角度
用光的角度不同，被摄体的质感会相应地被强化或削弱，被摄体的形状就会被突出或被淡化。照片的基调是愉快的还是忧郁的，也会因用光的角度不同而有所不同。从相机上方或后方（通常称之为正面光）投射过来的光线会降低被摄体的层次感，原因是正面光不利于营造高光和阴影。较好的选择是让光源偏于一侧，同被摄体成大约45°角的侧光，就可以很好地表现被摄体的形状和细节。
当光线从被摄体身后射来，正对着相机时就会产生逆光。拍摄对象在逆光中显得富于戏剧性。在拍摄肖像时，逆光在人物的头发边际产生漂亮的轮廓光。反差大的逆光可以产生剪影的效果。
在传统摄影中，一个不容忽视的也不容易掌握的色温问题，在数码相机中已不复存在，因为数码相机可以通过白平衡来调整解决，而无需考虑光源色温与底片的关系了。这又是数码相机的一大优点。
而数码相机比起传统感光材料，尤其是新的染料型感光材料，数码相机在曝光宽容度指标上并无优势，所以拍摄时的准确曝光仍是数码相机获得良好影像质量的基本原则。在实际使用中，我们发现数码相机对光线的要求更高，在室内拍摄尤为重要。因此我们在室内拍摄时若不可外另照明时，就应尽量使用闪光灯。
[b]6、 几个误区[/b]
习惯使用UV滤镜
对于传统的摄影师，UV镜是必备之一。但由于DC光灵敏度区间向长光波端偏移，就是说对红光及红外光敏感而对蓝紫光（尤其是紫外光）并不敏感。所以在数码相机上加用UV镜将得不到所期望的有利效果，而光学性能不好的UV镜还会对成像产生负面影响。所以就，UV就不必了。
三脚架已是昨日黄花
别以为除了专业的摄影师或那些狂热的摄影爱好者，三脚架对于数码相机没有武之地。因为要拍摄清晰的图像，拍照时必须绝对握稳照相机，即使最轻微的抖动都会造成模糊不清的图像，而且对于这种结果我们往往束手无策，无法通过后期制作来消除这种影响。
当然，用普通胶卷相机也存在这个问题，但是由于数码相机的光灵敏度低，并需要一系列的电路处理、存在快门延时的毛病，如：S75的快门延时近0.1S，比用快速胶卷的胶卷相机需要更长的曝光时间，在光线较弱时，更是如此。为了稳住相机，拍摄时应尽量夹紧胳膊肘，并应放置到人的最稳定部位--额头上，并轻轻地按下快门。但最好的办法是将相机装在一个三脚架上，或者将它放在一张桌子、柜台或其它不会移动的物体上。特别是在拍摄特写或微距摄影时，使用三脚架会得到更好的拍摄效果。
漠视后期处理
用数码相机拍摄的数字图像，只有极少数看上去是完美的，事实上，用普通的胶卷相机拍摄也是如此。 当然，数字图像的优势就在于可以进行后期加工，但有人会认为这已失去"保真"的真实含义了。其实它仍是在摄影创作的基础上，经创意构思，运用各种数码技术手段，将摄影素材优化或组合，从而化平淡为神奇的重新创作的艺术作品。
只要适当利用图像编辑工具，诸如：PHOTOSHOP等等，你就可以让那些并不出众的照片变得颇具水准。你可以使曝光不足的图像加亮、校正色彩均衡，剪裁掉分散注意力的背景，覆盖住一些小的缺陷（比如反射光造成的热点），甚至将几张照片或图像进行合成（见图）。能够进行照片编辑是用数码相机拍摄的主要优点之一。
[b]7、知识在运用中体现价值--运用在于实践[/b]
不一定是"工多艺熟"，但要想"艺熟"就必需要"工多"，数字摄影也不例外。所以，尽可能在不同的光线条件下多拍一些照片。拍摄时，注意记录拍摄时所用的相机设置和光线条件，然后研究结果，看看哪种条件下哪种设置最佳。专业摄影师在拍照时对同一图像总要拍摄好几次，每次改变一下拍摄角度或曝光时间等设置，我们也应该这么做。大多数的数码相机都有LCD显示屏，你可以利用它轻松地观察并删除你不喜欢的图像，所以不必担心会因"滥拍"而造成存储量不足，尽管放心地去拍摄多种曝光的图像吧，这样，最终至少会有一张好照片。 [b][size=4][color=#ff4500]十大拍摄技巧 [/color][/size][/b](DC爱好者也可参阅)
[b]1．时刻携带相机 [/b]
你曾经遗憾地错过多少昙花一现的画面？如果你手边总是有一部相机，这样的情况就很容易避免。许多瞬间发生的自然画面对摄影师来说，简直就是无价之宝。为了捕捉它们，你需要时刻携带一部相机。当然，你的相机可能太大太重，不便随身携带。那么，不妨考虑买一部便宜些的易携相机，以备不时之需。
[b]2．走近拍摄对象 [/b]
众所周知，离拍摄物体越近，画面就会越好。因为这样可以避开无关紧要、扰乱视线的背景，清晰地呈现出拍摄物体。拍摄时，试着只显示足够的背景来让你的画面变得清晰有趣。注意要将相机调到手动模式，找到拍摄允许的最近距离。很多傻瓜相机离拍摄物体不得小于4英尺，否则无法清晰对焦。
[b]3．让拍摄对象动起来 [/b]
在拍摄人物时，让他们动起来。这样你的画面会变得生动而自然。为了避免僵硬、静止的姿势，多鼓励你的拍摄对象，让他们积极活跃一些。你的鼓励和提示会为他们带来更加轻松自然的表情。
[b]
4．使用简单的背景 [/b]
简单的背景有利于让观看者的注意力集中到画面的主角身上，带来更加清晰、有力的视觉效果。试着去找找这样整齐、简单的背景吧！
[b]5．让主题偏离中心 （黄金分割） [/b]
将拍摄物体放在取景器正中央并没有什么错。但是，如果把它放在偏离中心的位置上，就可以给人一种更加动态的感觉。
[b]
6．为风景照增加前景 [/b]
在拍摄风景照时，试着将前景收入镜头，可以为画面增加深度感和立体感。
[b]7．寻找好的光线 [/b]
足够的光线是曝光的基本要求，好的光线能使画面更加有趣、多彩、有立体感。强烈的阳光只是好光线的一种。很多人得知多云的阴天能为人像摄影带来最好的光线时十分惊讶。其实，阳光会使人眯眼，并带来浓重的阴影。而阴天的光线则能使人物的脸部颜色十分柔和。
[b]8．端稳相机[/b] （相机除了端稳，还要端平!）
有时，一些好照片会因为你过于将注意力放在拍摄角度、距离、对焦等等技术问题上而与你失之交臂。端稳相机才是拍出清晰照片的最根本因素。按快门时，不要过于用力，轻轻一按就可以了。相机的哪怕一个微小晃动，也会影响照片的清晰度。有条件的话，最好给胳膊找一个支点，或使用三角架。
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9．使用闪光灯 [/b]
充分利用内置闪光灯可以提高画面质量。在需要的时候（尤其是室内摄影），它可以为你补光。
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10．选择合适的胶卷 [/b]
当前市面上的胶卷品牌、规格众多。在拍摄时，检查一下相机手动模式可以使用的胶片速度，并将拍摄环境、对象等因素考虑进去，选择适合你的胶卷。 [b][size=4][color=#ff4500]使用变焦镜头的10条经验 [/color][/size][/b]作者： 凌鲲
美国摄影家诺曼·罗思柴尔德在多年使用变焦镜头的实践中积累了不少宝贵经验，总结成以下10条提供给摄影爱好者参考。
[b]1．利用长焦距对焦。[/b]使用变焦镜头时，正确的对焦方法是先用长焦距对焦后，再选择合适的焦距拍摄；因为在长焦距时，被摄体的影像最大而景深最小，这就方便了准确对焦。在遇到逆光或光线复杂的情形时，也有助于选择适当的局部测光，而无需走近被摄体进行测光。在平时拍摄时，经常以一个中焦距或长焦距的变焦镜头为主，用最长焦距对焦和测光，锁定曝光后再选择理想的焦距拍摄，这样就不必来回移动脚步。
[b]2．对各焦距要多作尝试。[/b]大部分摄影爱好者虽然都极为关心变焦镜头的变焦倍率问题，但在具体使用时却往往是长焦距一头用得最多，有些甚至将其当作一个定焦远摄镜头看待。其实，当你尝试运用其他各焦距而获得截然不同的画面时，便会发现变焦镜头作为一种可变的取景工具，有着相当的潜能。
[b]
3．熟悉变焦镜头的操作。[/b]早期的变焦镜头上，变焦和对焦是以二环分别调节的。现在大部分变焦镜头都已改为单环控制，其特点是通过将镜头前后推拉来改变焦距，左右旋转来进行对焦。因此，对刚刚购买新镜的摄影爱好者来说，要熟悉及牢记变焦的前后方向和对焦的左右位置，避免在精确对焦之后因变焦时微稍转动调节环而影响清晰度。这也是很多较为“保守”的摄影家宁愿使用旧式的双环式变焦镜头的原因。
[b]4．适当运用支撑物。[/b]当运用焦距为200mm或更长焦距的变焦镜头时，应把镜头固定在三脚架等支撑物上，以保证拍摄时的稳定性。
[b]5．选择合适的遮光罩。[/b]变焦镜头比其他类型的镜头更容易产生光晕，因此，一个合适的遮光罩是少不了的。有时遮光罩造成的遮挡在单镜头反光相机的取景屏上看不出来，但是在胶片上却显示出来。这种情况在使用小光圈拍摄时最为明显，往往会使遮光罩也落入景深范围。此外，有些遮光罩在长焦距一端有效，但变焦至短焦距一端使用时，就会使照片上产生取景屏上看不出来的因遮挡而造成的晕映现象。因而，为变焦镜头选择合适的遮光罩并合理使用，是至关重要的。
[b]6．加用增距镜。[/b]在需要使用极长焦距的情况下，花很少的钱购买一个2倍增距镜，便可随意将你的70—210mm镜头立即变成140-420mm超望远变焦镜头，一个3倍增距镜更可达到210--630mm，使你的镜头马上跻身天文望远镜的行列。然而，代价将是损失光圈级数和摄得照片的清晰度。
例如，一个F4的变焦镜头加上2倍增距镜后，光圈会损失2级而变为F8；加上3倍增距镜后，最大光圈就变成了F11。如你所知，要发挥镜头的最佳解像力应当是选择比最大光圈收小2级的光圈来拍摄。因此，当加用增距镜时就必须考虑选用高速胶片和三脚架，同时，被摄体以静止的为宜。
[b]7.慎用滤光镜。[/b]除非确实需要，一般不要给变焦镜头加用滤光镜。在海滩或咸水的环境下，确实需要一块保护镜。为了改变色温，制造特殊效果，例如为了加深天空颜色和消除反光，需加用偏振镜。除此之外，加上一些可有可无的滤光镜，只会增加已经让人头痛的镜头内部光线反射问题。
[b]8.控制画面深度。[/b]用一个变焦镜头在离被摄体1.5米处用60mm焦距拍摄，与在离被摄体7.5米远处用300mm焦距拍摄，所得照片中的被摄体影像是一样大小的，所不同的是两张照片画面深度不同。用60mm焦距拍摄的照片，其背景有深度和空间感；而300mm焦距拍摄的，给人的感觉是景物被压缩了，被摄体与景物似乎被“拉近”了。
[b]9．保持距离，防止变形。[/b]在使用变焦镜头的广角一端拍摄时，要注意与被摄体保持适当的距离，以免造成被摄体变形。须记住，拍摄时的距离是影响透视效果的主要因素，而不是焦距。
[b]10．控制景深的诀窍。[/b]可以做一个实验，用同一光圈，在同一距离分别以25mm和50mm的焦距拍摄两张照片，再将用25mm焦距所拍摄的照片放大，使画面中被摄体影像与50mm的一张中的一样大小。比较两张照片的背景后就会发现，放大后照片中的背景并不像第一张照片中的那么朦胧，实际上得到了更有用的景深。这种方法应用于定焦的广角镜头时同样有效。 [b][size=4][color=#ff4500]街头巷尾的拍摄技巧
[/color][/size][/b] 街头巷尾的拍摄反映社会现实的摄影作品，在摄影圈内己经占据了一定的地位。事实上，摄影是反映现实的最好工具之一。摄影，如果离开了社会现实，单纯追求色、光、线修的效果，那就把摄影技巧所采用的手段变成为目的了，这是本末倒置的。
反映社会现实的题材十分广泛，拍摄街头巷尾人物活动是其中之一。有些人以为拍摄影这类题材作品要用长焦镜头从远处偷拍。其实使用长焦距镜头是办法之一，但是实际上却有许多缺点。一是距离愈远，来往行人遮挡镜头的可能性就越多，不一定能够捕捉到被拍摄者适当的表情；二是长焦距的镜头很惹人注目，一举相机就受到来往行人的注意。所以，两倍左右的中焦距相机有时还派得上用场，四倍以上的长焦距镜头在这种场合并不十分适用。其实，真正能够拍得好，还是尽量缩短与被摄者的距离，或者可以夸张之称为「近战」、「内搏战」。
不少初覆「战场」的朋友总是感到在街头摄影有点心怯，尽管捕捉到一个摄影对象，可就是欲行又止，脸上浮现出一片忐忑不安的表情，反而引起了人家的注意。为什么会这样？主要的问题在于对被摄影的对象不熟，恐怕挨骂挨揍。有一位影龄甚老的摄影家，他一有空就到住处附近摄影。该处一带的居民很熟悉他，知道他拍摄照片并无恶意，听之任之，而这位摄影家的收获亦十分丰富。由此可见熟悉活动的区域和对象是一个主要的问题。因此，建议大家不必求外，先在自己熟悉的区域着手。一方面对当时当地存在些什么问题比较熟悉，容易构思题材；另方面人面熟，出了问题也容易解决。老实说，在拍摄活动中跟被摄者发生意见，在比例上不过是百分之一、二的机会而己。绝大多数的人发现自己成为被拍摄对象时，或则掉首他向，或则以诧界的眼光望着你，如此而己。又何必因此忐忑不安？许多时候在摄影者与被摄者之间发生了意见，主要还是应该由摄影者本身检查是否态度欠佳。相反，倘若摄影者处事平和，耐心解释，倒可以得到对方的谅解的。若是冲洗之后，把一套照片送给人家，对方还欢迎你再拍一次呢。
尽管有时候跟对方很熟，但是拍起照来，他就强忍笑容，表情呆板，所以捕捉神态，还是以偷拍为上。
要使偷拍获得成功，熟悉手上相机的性能和运用得纯熟是非常重要的。有时使用「盲目射击」亦不失为一个好方法。
在介绍「盲目射击」的方法之前，先讲个小故事。有一次在雨天，一位创作兴致甚浓的摄影家依然冒雨出发寻找摄影题材。当他跑到一家酒家门前，看见几个建筑工人在骑楼底下啃着自备的午膳，跟金碧辉煌的酒家形成一个强烈的对比，这是一个很好的题材。可是他己经走过了头，怎么办？他马上当机立断，跑过对面马路，绕个子，冒着雨回到事前观察好的当拍摄位置，就站在那个位置上一边拭抹头上的雨水，一边观察对方，窥正对方难以下咽的表情时，另一只手就按下快门，拍得了一张杰作。据他说当时相机内装的是二百度胶卷，用Ｆ3.5光圈，一百二十五分之一秒，冲洗出来曝光准确。
用一些小动作作掩饰，因而能够在适当时机按下快门，这是偷拍法的精髓。偷拍不能贪多，一张起，两张止。能够拍得第三张的机会是很少的。所以在按下快门之时，画面上人物的分布，表情捕捉的时间都要心里有数，不能达到百分之一百，起码也要有七、八成把握才可按下快门，以免功亏一篑。
另一个要注意的是「盲目射击」在技术上的控制和掌握。首光要注意的是所拍摄到的范围，相机的位置摆歪一点，就差之毫厘，谬以千里。有时候纵使拍到主体，但是却偏处底片一卷角，缺乏了背景的烘托，则难以点题。在这方面用双镜头反光机确是比较容操纵，因为此种相机的机身较厚，上下偏侧都比较容易发觉，控制较易。
要解决控制拍摄的范围，平日必须多练习。在练习的时候把镜头对准某一方向，心里就估计这个角度可以拍摄到多大范围，然后在观景器中观察这个做计是否准确（相机的位置切勿变动））。一方面经常作目测估计，一方面也要装上胶卷来练习。因为在临场拍摄时，每每由于心情的变化而影响到成绩的。只有从不断的实习中才能获得巩固的效果。
当你经过多次实习「盲目射击」之后，会发觉控制左右两侧，较易得到正确的位置；但是控制相机的俯仰却是比较困难，尽管己经是加倍注意，可是实际观察一下，不是偏向上就是偏向下。有经验的朋友一致推崇的好办法是，把相机挂在心胸正中（即腹部之上）。这时，要把相机的皮带收短一些，免得相机下墬到腹部。因为靠近腹部，因呼吸影响，相机容易形成仰摄角度，变成拍得天空过多。
为了便于随时可以拍摄，最好不带相机皮袋，这样，随时可以按下快门。等到运用纯熟之后，镜头所向就是正确的拍摄范围，带上相机皮袋也不会觉得阻手阻脚时，就可以一手抓开皮袋，另一手立即按掣，影完之后，立即又把皮袋盖上。
对距离的控制也要经常作练习。练习的方法是先将距离标尺退到无限远的位置，然后扭动掣盘，把标尺推到最近的距离，经过多次闭目实习，掌握到掣盘位置扭动多少是从最远到最近，又扭动多少是十呎、十五呎等，总之每次都是以无限远的位置作起点，练得纯熟了，就可以不望相机而随时对准离位置，随时都可以拍摄照片了。
倘若对于上述的控制方法未有足够把握，只有在拍摄时多花一些功夫。当你背着相机在街上走动，首先就要拨好曝光时间；从开阔的街道走到横街窄巷，光线暗了些，又要调整一下。距离一般对在十五呎，那么，在相隔一间铺位远处摄影就很合适了，否则，临时略为调整也不会很困难。另一个办法是发现题材之后，转个身悄悄的调整好光圈、快门、距离，然后跑到自己己经选择好的拍摄位置站好，等到适当的时机就可以按下快门。
有的朋友认为作状缚鞋带是「妙」法之一。这对初「战场」的朋友可以稍减心悸的威胁，但是角度太低，不很理想。在走路的时候按快门也是方法之一。问题是当时能否捕捉到适当的表情，否则走过了头又要绕个圈子倒回来就麻烦了，而且边走路边按快门，相机容易震动，在按快门之前要略略停步才好。不管使用任何一个方法、曝光时间是要求快门，最好速竞鲜一点（二百五十分之一秒以上），以免相机震动。因此相对而放大光圈是正确的。不过由于光圈大、景深短，就要注意到对焦的要求更准确一点。
有的朋友认为拍摄现实的题材，就是看见什么就拍摄什么。他们把现实题材看成是「纯客观的反映」，没有进一步去研究这个纯客观反映所产生的效果。
这种看法还是比较片面的，拍摄现实题材作品，最要是反映一个问题，这样的作品成功与否，不在于摄影技术，而在于它的表现力。 资料提供: 中华摄影报(中华摄影学会摄影研习班) [b][size=4][color=#ff4500]夜景摄影的一些技巧
[/color][/size]一、夜景摄影的一些技巧 [/b]
1 主体突出，主题鲜明 夜景摄影，由于天色黑暗，一些不必要甚至破坏画面的景物被黑暗隐没，而被摄主体或景物的主要部分，因为拍摄的需要，配以适当的灯光加以突出，给人们以鲜明的印象。譬如拍摄一个建筑工地，其中的一些杂乱堆积物，或破旧的工棚，白天在画面上委难避掉，但在夜间，这些东西大都隐没在黑暗中，被摄主体却可以利用灯光很容易地突出来。可见，夜景摄影具有主体突出、主题鲜明的特点。
2 夸张景物，渲染气氛 夜景摄影，由于有独特的拍摄方法和影调处理手法，使得它具有夸张景物、渲染气氛的特长。它能利用灯光造成影调，把被摄景物夸张地表现出来，使它们比现实中的景物更突出，有强烈的感染力。另外，它还能采取特殊的拍摄技术，充分利用周围环境的特点，加以合理的渲染，使拍摄现场的气氛十分浓烈。
例如，拍摄一个火车站，如果在白天拍摄，画面上并不热闹，火车不多，气氛不浓。如在夜间拍摄，就可以用多次曝光的方法，每来一辆列车开一次快门，这样画面上就留下条条明亮的火车头的车灯线，从而获得火车奔驰的繁忙效果。
3 光源繁多，作用双重 夜景摄影往往会同时出现很多光源，和白天摄影的光源不同。象灯光、火光、月光、或落日余晖等。在夜景摄影里具有双重作用：既是照明的光源，又是画面不可缺少的组成部分。一张夜景摄影作品，画面上没有灯光、火光、月光照明的景物，那么夜景摄影的气氛就大大减弱。
4 拍摄对象，静物为主 拍摄夜景，被摄对象以静止的景物为主，一般不宜拍摄动作迅速的物体。因为夜间光线委弱，各种景物的照度很低，拍摄时需要较长的感光时间。另外，夜景光线反差很强，亮的地方与暗的地方相差十分悬殊，如果采取快速曝光，不公会使底片曝光不足，而且使画面层次减少，照片缺乏魅力。
[b]二 、夜景摄影的注意事项 [/b]
1 防止照相机移动 拍摄夜景照片时 ，照相机要拧紧在三脚架上，或放在平稳牢固的地方。调节光圈，按动快门，观察景物，都不要碰动机身，特别是进行多次曝光时，更要严格要求，否则，底片会出现重影，使拍摄失败。
2 光圈的运用 拍摄夜景，要特别注意运用光圈。因为它影响景物的清晰度。有些夜景，由于光线十分暗淡，拍摄距离无法精确确定，因此，常常用缩小光圈、增加景深范围的办法来对付。拍摄夜景，常用的光圈为f5.6或f8。有些景物的位置比较固定，光线变化也不大，那么光圈可以适当 小一些，但曝光时间要相应延长，这样，景物的清晰范围可以更大一些。进行多次曝光时，可根据现场光线的强弱，用光圈来调节感光量。
3 距离的测定 拍摄距离的测定要尽量准确，否则直接影响景物的清晰程度。一般地说，拍摄大场面夜景，距离可放在无限远处。拍中景，近景，就要进行对焦，把焦点对得越清楚越好。焦点应定在被摄主体或景物的主要部分的位置上，用手电打亮后再测定。也可利用被摄主体附近的光亮点来代测。距离一旦确定，在拍摄过程中就不能任意变动。
4 曝光的掌握 夜景摄影的曝光比较复杂，无法依靠测光表，应该从实际出发摸索规律。其曝光方法有两种：一次曝光和多次曝光。
（1）一次曝光：一次曝光比较容易掌握。拍摄前，拍摄前，将照相机架在三脚架上，然后确定拍摄对象和取景范围。取景完毕，再检查一下照相机的固定情况，并用快门线控制快门的开启，进行一次时间的曝光。无快门线，可用镜头盖来控制已开启的快门。
（2）多次曝光：两次以上的曝光称为多次曝光。它是在一次曝光不能完成拍摄任务的情况下才使用的一种方法。利用多次曝光，可以分次摄取部分景物，使画面内容丰富，形式活泼。
运用多次曝光，应该注意：一是要把光线强弱不同的景物分开，使最暗的景物先曝光、多曝光，最亮的景物后曝光、少曝光。二是有些景物无法进行先曝光、多曝光，可加用人造光适当加强暗处景物的亮度，以调整画面的反差。三是对一些光线过强或过弱的景物，无法在现场调整时，可在拍成的底片上进行减薄或加厚处理，也可放大时进行补救。
夜景摄影的曝光，很难有一个确定的数字。曝光时间在一秒钟以上，都要靠拍摄者凭经验估计。一般说，进行一次曝光时，曝光量要掌握得更严格一些。多次曝光时，曝光时间的伸缩余地较大，如果发现某些景物或景物 的某些部分感光不够，可以再开一次快门进行补救。不管一次曝光还是多次曝光，开拍时的天空尚有落日余晖，那么曝光时间要扣得紧一些，宁可感光不足，不可感光过度，一过度，照片就会失去夜间的特点了。
为掌握夜景摄影曝光时间，现提供夜景曝光时间表，以供参考。
[b]三、夜景摄影实践 [/b]
1、工地夜景的拍摄 工地夜景包括正在施工的工厂、楼房、水电站、铁路、矿山、车站、码头等。这类题材的拍摄角度，要根据作者的创作意图和工地特点来选择。拍摄时机最好是工地建设处于高潮阶段，或者工程快要竣工时。为了烘托主体，交待环境，要注意利用周围的自然条件，如山峰、河水、月亮、临近的建筑物等。如果傍晚或黎明前拍摄，不要使天空部分感光过度。曝光方法，可彩一次曝光，也可进行多次曝光。如工地灯光尚示完全开亮，而天空又示断黑时可多次曝光，先对感光，并录下景物轮廓，而后拍摄灯光灯光。工地夜景，要注意表现现场气氛。
2、农村夜景的拍摄 一般在说，农村夜景的灯光不及城市、工地里的集中，但处理得好，也能拍出比较理想的环境，如收割机夜收、拖拉机夜耕、打谷场、小型水电站、露天电影、村头演出等夜景。为了突出人物的活动，应该选择周围一自然景物，象粮垛、草垛、树林、山峦、流水、雪地等来陪衬。
3、城市夜景的拍摄 城市由于人口密集，住宅密布，景物比较杂乱，因此，夜景拍摄者一定要明确创作意图，从而选择一定的角度和景物。拍摄角度的高低，要视景物的高度而定。另外，拍摄位置要选择比较僻静的地方，既不影响交通，又不容易被行人碰撞。如果拍摄夜间流行队伍、街头演出，最好使用快速感光片，不易造成影像虚糊。城市夜景摄影的曝光，一次、多次均可，要视景物的情况来定。
4、月夜的拍摄 拍摄月夜照片，可以先后拍摄两张底片，然后在暗房叠放而成。方法是：先用长时间曝光，在一张底片上拍摄月光照射下的景物再用短时间曝光，在另一张底片上拍摄月亮。当然也可以在一张底片上拍摄月夜。曝光时，先用手把月亮遮住，在地面景物曝光结束前几秒钟，将手移开，使月亮在底片上曝光。如果拍摄时天空有云，可在月亮钻进云层时，对地面景物曝光。等月亮从云层中出来，再对月亮进行明曝光。
5、夜间训练的拍摄 部队和民兵夜间训练、警戒、巡逻等活动，也能拍成较美的夜景照片。拍摄夜间射击，使用发光的弹药最为理想，可通过枪弹的火光拍摄战士的行动。拍摄探照灯警戒夜空，可采用多次曝光的方法，一次拍摄探照灯的光柱，一次拍摄地面景物。拍摄军舰夜航训练，可以用慢速曝光，在底片上留下军舰灯光的白线，使军舰有动感。同时，要设法拍出般身的轮廓和灯光倒影，画面又有静感，静结合，照片的表现力就强了。
拍摄战士和民兵站岗、放哨的夜景，可用多次曝光，一次拍摄灯光或月光下的战士，再一次拍摄警戒目标。
6、焰火的拍摄 拍摄焰火，事先了解焰火的发射方向，确定拍摄的角度和地点。如果拍摄焰火的全过程，在焰火将要上长升、开花、熄灭。如果拍摄焰火的局部，等焰火升腾后，快要开花时，将快门打开，把最有代表性、最精彩的一刹那记录在感光片上。也可以用两张底片分别拍摄，用其中一张底片的上半部摄影地面景物，然后进行迭放，合成一张漂亮的焰火照片。还可以用一张底片分两次拍，一次用较短的时间仰摄焰火，加一次用较长的时间俯摄地面景物。必须注意的是，在拍第二次时，不要将地面景物 与空中焰火重叠。为此，拍摄之前，应该估计好两部分景物在同一画面上的分布。 [b][size=4][color=#ff4500]艺术与摄影 [/color][/size][/b]转:《摄影构图学》
摄影，已经成熟了，而且已经成为一门艺术。
这一说法可能会引起那些纯粹派艺术家的异议。他们会说，摄影是机械的产物，而艺术无论如何不是机械的玩意儿。他们认为，摄影家只能记录他面前已经存在的事物，只有一点点调整机械的活动余地而已。
[b]
艺术形式的不断变化 [/b]
艺术是和某种材料和操作工艺分不开的。而艺术形式和所用的材料却在不断变化。近年来，丙烯颜料、拼贴画、多种材料的组合雕塑等一个个新的艺术手段加入了公认的艺术创作行列。
但艺术只是部分地依靠原材料和操作技术。它的最重要的特点还在于艺术家从题材中提取基本视觉美点的能力和用一种能对观众产生刺激作用的方式记录下来的能力。画笔、颜料、蚀刻针仅仅是艺术家的工具。它们不能保证艺术创作的成功，正像丁字尺和三角板不能保证产生优秀的建筑一样。对于相机来说，也是这样。作为艺术家的工具，它可以有助于产生艺术品。如果在非艺术家的手中，即使懂得技术知识并且用心去做，也产生不了艺术品。所以可以说，相机是一种灵敏的工具，它是按照操纵它的那个人的思想行事的。
每次关于艺术的讨论总要牵涉到这样一个问题；为什么一件作品可以称为艺术品，而在许多方面都很相似的另一件却不是?这个问题在很大程度上是由于三个基本概念的混乱引起的：
1．艺术和自然的异同。
2．视觉形象思维和文字概念的不同。
3．艺术和手艺的关系。
[b]
艺术和描绘自然 [/b]
十四世纪以来，艺术家为了跟上当时科学研究的热潮，对大自然进行了精细的研究，并且在他们的作品中加入了更符合大自然实际情况、有科学根据的细节。解剖学、透视学、光线、三度空间甚至衣服的皱褶都受到极大的重视，以致老实的观众得出这样的结论：艺术就是对自然的模仿！这种科学地观察和描绘自然的活动，在十九世纪达到高峰，这就是印象主义绘画。印象主义画家在表现五光十色的光线方面极为成功。人们能从他们的画里判断季节、一天的某个时间和当时的气候条件。
大约在同一个时间，摄影术发展了，并且被广泛应用。现在，许多艺术家几个世纪以来苦苦追求的事情，这个“小黑盒”一下子就做到了。任何人都能相当容易地拍出一张照片。
艺术家们摆脱了如实记录的重担以后转而探索艺术的更本质的特征。他们的试验把我们引向艺术和自然关系的某些重要结论。自然界有它本身的美，但描绘自然美的照片并不能自动成为一幅美的作品。一些照片即使聚焦清晰、曝光正确、印放得当，如果缺乏趣味。无论是剪裁、遮挡还是增添什么景物，都不能弥补它们拍摄时所缺乏的东西--就是摄影家心目中超越题材固有美之外所认识所发现的美的因素。相反，通常看来并不美的自然或人物，却能拍成很美的照片。当然，艺术家内在的想象力和熟练的技巧相结合，用这样的题材也能拍出美好动人的照片来。
[b] 艺术和抽象的视觉美点 [/b]
艺术效果完全取决于艺术家是否从这个题材中发现了或感觉到了抽象的视觉美点，以及他去粗取精地处理它们的能力，经过他的处理观众是否能够看到艺术家曾经看到过的东西。从摄影家的角度来说，自然界的东西既不是美的，也不是丑的。只有艺术家才有能力发现美，并把它展示给其他人。
现在问题明确了，艺术品的质量和自然物的面貌关系很少。艺术品是由某种抽象的美点构成的，它和机械地模仿自然是两回事。维妙维肖不能作为艺术品的出发点，也不是评价艺术品的标准。效果好的照片是既不违背自然形式，又力求高度简化，敢于大胆处理线条、形状、色调和质感的那些作品。艺术就是要选取这些视觉美点，让它们占据主导地位，去掉那些无助于艺术家确立的中心思想的东西，或者把它们降于从属地位。
这些视觉美点大量存在于我们周围。我们对它司空见惯，以至于熟视而无睹。每一个题材，不论是重大的还是平淡的，都包含着视觉美点。它几乎是无限量的。有时候它只存在片刻，稍纵即逝。有时候它隐藏在极普通的外表下面，貌不惊人，难以辨认。
从题材中发现这类线条、色调、形状和质感，把它们纳入取景器，按照摄影家的要求给以合理安排，然后印成他满意的照片，使观众一目了然，这就是构图时要做的全部事情。
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构图--从混乱中找出秩序 [/b]
构图是一个思维过程，它从自然呈现的混乱事物之中找出秩序，把大量零散素材组织成一个可以理解的整体。构图是对这些素材的反应过程，也是探求途径，把这些素材组织起来的过程，目的是向人们传递。摄影家已经体会到的兴奋、崇敬、畏惧、惊异或同情。通过构图，摄影家澄清了他要传递的信息，把观众的注意力导向他发现的那个最有趣是重要的部分。
[b]
冒牌的摄影艺术 [/b]
那些对摄影和绘画都懂得很少的人，有把这两种表现手段混淆起来的危险。他们没有能力在画布上从容自如地使用颜料，于是就转而想用相机获得貌似艺术的效果。他们的照片使人想起柯罗（1819一1877，法国风景画家家一一译注）和他的模仿者们：界限模糊、情绪低沉、朦胧不清、酷似绘画。随着绘画界几何抽象派、抽象表现主义、流行派艺术和极少派的出现，摄影界也兴起了一种假冒的艺术摄影家。他们是摄影的亵读者。但他们模仿的不是古代的而是现代的绘画。他们处理形象时也泼洒化学药品，使用颜料，硬加外来的材料，用这些办法获得浮浅的抽象艺术的效果。事实上，通过光学、化学渠道已经有那么多的事情要做，有什么必要去乞灵于模仿呢？
抽象艺术的特点是，首先，它非常强调线条，其次是使用色彩的组合去追求美学效果，而不是描绘自然。此后，立体派发展起来了，大量不同形式的抽象派作品相继出现。那些认为立体派和抽象派作品是现代风格的人，当他们知道了立体派得溯源于1908年时，一定会大吃一惊的！
从某种意义上说，抽象派作品的动机是想证明。大量丰富多彩的绘画只需要运用线条、明暗、颜色、形状、质感等抽象成分就可以创造出来，和现实世界的主题很少有关系或者根本无关。
现在，这种论点早被充分论证过了，而且经过长期流行人们也已厌倦。看来现代艺术观点又要和写实主义发生联系了；然而这是和过去的风格不同的一种写实主义，它趋向于强调一种抽象因素，这种抽象因素是各种视觉艺术的基础，包括摄影以及绘画、制版艺术和雕塑在内。
虽然自然物的某些方面经常是人类艺术的模特儿，但在美学上成功的程度却直接关系到所强调的因素，即线条、形状、色彩、立体感和质感。优秀的艺术品一般说来都是反映了自然中的这些因素。拙劣的作品几乎都是只会模仿自然，很少注意或者根本不去注意这些因素。
任何一种艺术，如果它自觉地或不自觉地模仿其它艺术的话，那它就是否定了自己作为一种艺术的价值。摄影家如果用摄影器材去生产别人用颜料或雕刻工艺已经生产过的东西，那他就是把自己降于劣等地位，他的艺术作品（如果可以叫做艺术作品的话）也就是劣等的。
[b] 视觉形象思维和文字概念 [/b]
也许因为我们所受的教育大部分是用文字完成的，我们总是企图从照片里读出文字含义来，或者找到“另外的文字”来阐述艺术家的教诲。然而，“另外的文字”根本没有。摄影家的信息纯粹是视觉的，照片中呈现的任何意义只能看，不能读。照片只能依靠它的视觉美点给人以深刻印象。搜集有关主体的或处理方法物奇闻逸事对艺术价值不起作用，它只能引起困惑。
[b] 艺术和手艺 [/b]
为什么手艺和艺术经常被混为一谈，甚至有时候把手艺看作是艺术的同义语，这是很容易理解的。观察熟练工人的表演，就容易夸大灵巧的操作和出色的产品之间的关系，从而错误地认为二者是一回事。事实上，一个摄影者拍出一张技术上完美的照片是比较容易的，但这幅照片作为一个整体来看，除了和它有关的人员之外，可能不会吸引任何人。
许多艺术家的那种富于挑战性的性格使他们喜欢反驳那些已被公认的东西。反传统主义成了大多数艺术家的倾向。 [b][size=4][color=#ff6347]户外拍摄人像的一点心得 [/color][/size][/b]转: 蜂鸟工作室
1、 什么器材？我想爱拍的人无不例外地喜欢器材，当然器材越好，越丰富，越有助于你去拍各种题材的片子，但拍人我个人认为一支镜头基本上就够了。一支焦距在105mm左右的镜头，有很好的虚化背景的能力，它还能真实地表现人物面部特点而不产生变形，而且你可以在离被摄者非常合适的距离进行拍摄和交流（你既不用在很远的距离大声和她说话（用长焦镜头），也不用在太近的距离给她造成压迫感（用广角镜头，还易产生变形））。一架有光圈优先功能和暴光补偿功能的相机，此乃个人主观爱好，我认为光圈优先加补偿完全匹配人像拍摄，光圈优先基本上让你避免暴光的计算，而暴光补偿在光线变化时能非常方便地进行调整。
2、 一块反光板。反光板的投资比起器材来可说是九牛一毫啊，你甚至可以自己动手做一个，但反光板的作用太大了，可以说反光板是必须的，它可以很好地补偿你不喜欢的面部阴影，而且表现人物的眼神绝妙。如果你手边没有反光板，临时一张白纸（只要够大）也行，或者拍摄时找一可以有些反光的墙都行，尽量不要用闪光灯，它会使人物面部生硬。
3、 寻求光线。没有一定之规，当然要避免强烈光线，光线强烈时，找一光线能透射进的树荫就好，逆光表现我很喜欢，透视感好，重要的是能用反光板把光反射到被摄者，使她的面部光线均匀。另外傍晚的确适合人物的拍摄。
4、暴光测量。对面部测光，宁过勿欠，一是我们是黄皮肤，拍MM时不妨让她的面部明快一些，二是负片对过暴的宽容度比欠暴好得多。后期放大可调整。这时候暴光补偿的功能也就发挥出来了，如果不针对面部测光，有些经验供参考，一般情况+1/ 3-1/2EV，逆光无反光板+2EV， 加反光板+1EV，不是绝对的，具体情况具体分析。
说了半天都是设备和技术，下面说点拍摄过程。
1、 交流和被摄者的交流非常重要，比如在去拍摄地的路上跟她聊天，谈谈任何她想说或者大家共有的话题，目的是要她放松，让她不潜在地拒绝拍摄，只有轻松了，才能拍出自然的片子。一边拍一边交流也是非常值得推荐的，不要指望在第一卷就能出好片，因为她很可能在这一卷中还没有完全进入情况。好了，她进入情况了，连续拍摄你认为好的画面，你还要明确地告诉她细微的调整，当然主要的姿势神态是她要表现的，但细小的地方，你在取景器里发现要调整一定要明确地告诉她，比如“脸稍微往左侧一点”“微笑稍微露一点牙齿”，“手指要并拢或着稍微弯曲一点”or“深情地望着我好像看你的爱人”，呵呵，这是很重要的，你不给她这么明确的意图，她将无所适从。另外要鼓励，不断地夸奖她，说一些赞美的话将很有必要帮助，她会表现越来越好。再有就是保持节奏地拍，这里我私下认为一台能出声音的马达和连续的快门声能使你和她都感觉良好，拍摄者也是要进入情况的。
2、 寻找她的最佳角度每个人都有她的一个或几个最佳角度，相对应的是难看的角度，怎么找我想一是靠观察，再就是多拍积累经验吧，要相信自己的感觉，一般来讲，是要从多个角度来拍摄的，侧面表现生动，仰拍表现人物的自信和傲慢，等等。
3、 抓住她的眼神眼睛是心灵的窗口，一点都不假，抓住她的眼神，你就成功一半了，反光板的用处在这里得到了体现，一定要让她的眼睛里有你的反光板补的光。我只能说这么多，因为这是一个我一直学习的方面，希望你也能多给我提供经验。
4、 避免破相的地方。举一个例子，这个MM的牙尤其是下牙很不好看，拍摄时候就要避免她露出下牙，尤其是近距离拍摄，我采取的方法就是让她微笑稍微露出牙齿而不露下牙，举一反三吧。
5、 多拍选优这并不等于浪费胶卷，因为如果你不得要领，你就是拍10卷可能也没有好的作品，但有时比如她有一个好的表现但你按快门时她闭眼了，或者细微地方不甚完美，就要靠你多拍来弥补了，多按几次快门，你就少一些遗憾，虽然摄影是门遗憾的艺术。 [b][size=4][color=#ff4500]关于逆光摄影
[/color][/size]逆光摄影的艺术效果 [/b]
[b]
一、逆光摄影的基本特征 [/b]
摄影的本质是光，光是摄影的命脉和灵魂。刘半农先生曾说过：“景物虽好，而不能采取适当的光，画面仍是死的。”
逆光拍摄是摄影用光中的一种手段。广义上的逆光应包括全逆光和侧逆光两种。它的基本特征是：从光位看，全逆光是对着相机，从被摄体的背面照射过来的光，也称“背光”；侧逆光是从相机左、右135°的后侧面射向被摄体的光，被摄体的受光面占1/3，背光面占2/3。从光比看，被摄体和背景处在暗处或2/3面积在暗处，因此明与暗的光比大，反差强烈。从光效看，逆光对不透明物体产生轮廓光；对透明或半透明物体产生透射光；对液体或水面产生闪烁光。
如果我们能将逆光摄影的手段运用得当，对增强摄影创作的艺术效果无疑是很有价值的。
[b]
二、逆光摄影的主要艺术效果 [/b]
逆光是一种具有艺术魅力和较强表现力的光照，它能使画面产生完全不同于我们肉眼在现场所见到的实际光线的艺术效果。它的艺术表现力主要有如下几个方面：
第一，能够增强被摄体的质感。特别是拍摄透明或半透明的物体，如花卉、植物枝叶等，逆光为最佳光线。因为，一方面逆光照射使透光物体的色明度和饱合度都能得到提高，使顺光光照下平淡无味的透明或半透明物体呈现出美丽的光泽和较好的透明感，平添了透射增艳的效果；另一方面，使同一画面中的透光物体与不透光物体之间亮度差明显拉大，明暗相对，大大增强了画面的艺术效果。
第二，能够增强氛围的渲染性。特别是在风光摄影中的早晨和傍晚，采用低角度、大逆光的光影造型手段，逆射的光线会勾画出红霞如染、云海蒸腾，山峦、村落、林木如墨，如果再加上薄雾、轻舟、飞鸟，相互衬托起来，在视觉和心灵上就会引发出深深的共鸣，使作品的内涵更深，意境更高，韵味更浓。
第三、能够增强视觉的冲击力。在逆光拍摄中，由于暗部比例增大，相当部分细节被阴影所掩盖，被摄体以简洁的线条或很少的受光面积突现在画面之中，这种大光比，高反差给人以强烈的视觉冲击，从而产生较强的艺术造型效果。具体地说，首先，它能使背景处于背光之下，曝光不足，色彩还原差，使背景得到净化，从而获得突出主体的效果；其次，它能生动地勾勒出被摄体清晰的轮廓线，使主体与背景分离，突现被摄体外形起伏和线条，强化被摄体的主体感；再次，它能深入地刻画人物性格，由于整个画面受光面积小，面部与身体的大部分处于阴影之中，形成以深色为主的浓重低调画面，有助于表现人物深沉、含蓄、肃穆或忧郁的性格。同时，由于影调反差对比度较大，明暗光线布局强烈，既可使人物面部的某些缺欠借助强光加以冲淡，又可利用背光的暗影予以隐匿，以取得扬长避短之效。
第四，能够增强画面的纵深感。特别是早晨或傍晚在逆光下拍摄，由于空气中介质状况的不同，使色彩构成发生了远近不同的变化：前景暗，背景亮；前景色彩饱和度高，背景色彩饱和度低。从而造成整个画面由远及近，色彩由淡而浓，由亮而暗，形成了微妙的空间纵深感。
[b]
三、逆光拍摄应注意的几个问题 [/b]
逆光拍摄有较强的艺术效果，但要拍好逆光照射下的景物，是有一定难度的。主要是它的反差大、变化多，而且主要部位大都处于阴影之中所至。因此在逆光拍摄中，一是曝光时不要被画面中大面积阴暗背景的光线所欺骗，而应以被摄主体的亮度读数为依据，其余在所不计。如拍摄朝阳或落日，则应以太阳的亮度为测光的主要依据；拍摄低调人像时，则应以人物的高光部位为测光依据。二是在逆光拍摄中，近景，特别是拍摄人像时，应选择适当的辅助光(用闪光灯或反光板等补光)。三是拍摄剪影时，应以明亮的背景亮度作为曝光依据。四是逆光拍摄花卉时，应选择较暗的背景予以反衬，以造成较强的光比反差，强化逆光光效，达到轮廓清晰，突现主体的艺术效果。五是由于相机还对着强光源，要注意眩光的干扰。应有遮挡措施(用适当的尽可能长的遮光罩，或用手、帽子、纸板等在镜头前遮挡)，或略向旁偏移，调整为拍摄角度等办法，防止太阳或灯光直射镜头，使眩光消失后再按动快门。 [b][size=4][color=#ff4500]摄影十大谬误
[/color][/size][/b]摄影之奥秒，就是它包含了很多元素，您可把它看待成一种艺术，同时也是一种科
学，用相机去创作，某程度上跟画家用油彩画笔创作一样，但摄影却又很重视器材的摄
影师必须了解相机和镜头的特点。 可是，正因为摄影那么的博大精深，涉及的元素又多
，不少人都会对之产生很多误解和谬见，有不少初学摄影的朋友更不知不觉被误导了。
因此，我们特地炮制了这篇文章，与大家一同分享一些常常被人误解的摄影问题。
[b] 误解一：镜头反差越高，解像度就越高 [/b]
有些拍友，当使用某镜头拍摄时，会发觉所拍摄出来的影像有很高的反差(一般称为
较「硬」)，又或者看起来很鲜明，便冲口而出说某某镜头解像一流。一旦看反差弱的照
片时(即常称作为较柔时)，便声声道镜头解像不良。这一种说法，似乎有点武断，其实
解像度和反差是两样东西来的，不应一概而论，当然又有些相关的地方。 甚么是解像度
？ 解像度(Resolution)其实是经过一些标准的测验得来的数据，是利用一张黑白的线条
图表，在不同的光圈下用镜头拍摄，然而最标准的数据理应是由机器读出，但某些杂志
或试验所用菲林显像作人眼判断，这似乎会带有一些客观因素，如菲林的处理过程或人
眼的限制等，但一般都可接受，因为至少可找出同一支镜头在不同情况下(不同光圈或焦
距)的解像表现，毋须与其它镜头比较便成。一般来说，越能在同一范围分析出越多线条
的数目就越有解像力，即是较锐利的镜头。 甚么是反差？ 反差(Contrast)虽不代表解
像度，但也不无关系，但不能说反差高，解像便高。反差其实是指镜头将暗位层次表达
的能力，一个影像必须有光和暗两个对比，反差高是指光与暗之间明显分隔，而中间可
能没有太多渐层(gradation)；而反差低则指光与暗之间不够明显或不够鲜明，但有较多
的层次，看起来可能会使人觉得较呆板。 对于彩色或黑白的影像，反差的定义也是一样
的。一般人误会反差高是好的，没错，反差高确是较鲜明和调子轻快，但是没有丰富的
层次，刚才的高解像度便失去了意义，令整体的仔细表现会有阻碍。惟反差确是很主观
的东西，未必有一个标准，但具体上一支全面一点的镜头会较受欢迎，何况现今的菲林
也有很好的反差及层次，也有不同的选择，如专为拍人像而设的，又有专为还原准确色
彩而设的菲林，拍友们也毋须太过盲目追求。
[b] 误解二：加1B天光镜好过UV滤镜[/b]
每当买新镜头时，都会考虑买一块保护镜头的滤镜，一般1B SKYLIGHT和UV两种，前
者比后者昂贵，有人说UV只是一块玻璃，而1B拍人像会靓些又或者拍摄的色彩会准确些
，所以会偏选1B，但这种说法似乎并不太合适。 1B skylight滤镜正式来说是一块有颜
色的颜色滤镜，是其中一块标准化的矫色滤镜，可隔除360nm或以下的光波(属于较蓝色
的光线至UV)，并同时可轻度吸收约550nm的光波(即绿色光线)，总括是用作减轻于山区
或海边拍摄时的偏蓝现象和树叶的绿色反光，在绿油油草地上拍摄人像就可能用得着。
可是，在直接的阳光下拍摄，这块1B滤镜是全废武功，换句话说，也仅是一块玻璃。 U
V滤镜则是用来隔除肉眼看不见的紫外光，因此在色彩上(一般彩色菲林乳膜上根本无法
对UV显现色彩)是全无影响，但据厂方的建议，它的最大作用是将拍摄无限远的模糊情况
改善，但老实说，天气才是最终决定因素，要是空气中尘粒多或湿度高，加多少块UV也
是徙然的。 既然是这样，甚么滤镜都不加又是否最好呢？对的，光学上是绝对是好的，
因为加上了一块玻璃，可能会弄巧反拙，但这又未必可以由肉眼察觉得到，再仔细衡量
之下，买一片玻璃保护前组镜片，似乎比起一丁点儿的光学损失来得重要。但是1B还是
UV，那就悉随尊便。但花钱买一块有多层涂膜的UV已很足够了，既可保护镜头，又可减
少光学的损失，较为值得。
[b] 误解三：专业菲林靓过业余菲林 [/b]
有一些拍友常有一错觉，以为专业菲林的影像质素一定比业余菲林好，但往往发觉
事实又不是那么明显，就归究所用的相机、镜头、测光表等等不够好，甚至是自己，这
看来有点可怜。 专业菲林确有比业余菲林优胜的地方，但不代表业余菲林一定是差些，
其实我们只想道出专业菲林是专为专业摄影师而设，要用得它们出色，办法很简单，学
学怎样去当一个专业摄影师便行了，所需要的不一定是专业器材，反而是技巧，尤其是
处理菲林的技巧。 各位不妨去尝试买些专业幻灯片来试用，您会发觉陈列的地方都会有
一个雪柜，再留心菲林上的说明，除了使用限期外，还有一个建议储存温度，一般约为
十二、三度。专业菲林靓在够新鲜，若能在保存时依足所建议的环境，菲林会得到预期
的效果，但随意处理菲林，一时又到甲店，一时又到乙店冲晒，敢保证每次没有不同的
色彩表现才怪哩。当然，还有很多处理菲林的方法，例如曝光因素、倒易率等，或可参
考说明书的指示。 业余菲林就不同了，除了expire date外，也没有其它的指示了，而
一般都有较长较稳定的储存期，而且宽容度高，对一般用家来说似乎较为可靠。
[b] 误解四：闪光拍摄一定要用X同步快门 [/b]
有不少中外摄影书籍也曾提及过X同步快门这东西，甚至有最快闪光同步快门这一名
词。但有不少初学摄影的朋友误解以为闪灯拍摄时要硬性使用某一档快门。 其实，所谓
闪光同步快门或最快闪光同步快门是泛指可作闪光拍摄的快门，最快的意思是在那快门
速度以上的快门不能作闪光同步，否则会拍不到全格菲林清晰的影像，这问题是存在于
镜后快门的相机上，而每部相机都有独立的设计，故最高同步快门都不是全部一样的。
使用闪光灯时，只要在最高同步快门下任何一档，均可拍摄到有闪灯效果的照片，只是
快门越慢，现场光之曝光时间较长而己。举例在室内拍摄，若以最高同步快门闪光拍摄
，背景未必可有足够曝光，这使主体前景雪白光亮，而后景则昏暗漆黑；若以慢快门(甚
至便摄机中所谓Slow Sync或夜景人像模式等)同步闪光拍摄，便能获得较具现场气氛的
照片。 除此之外，利用较慢快门时，甚至可选择前或后帘的同步闪光，你可调较快门一
开启便闪光，又可以在快门关闭前闪光，均可创造特别的拍摄效果。
[b] 误解五：微距镜只能作近摄？ [/b]
微距镜是专为拍摄极近距而设的，但有人说它于正常拍摄时会有质素的下降或迷信
只能用在翻拍或微距拍摄用途上。其实，根据一些光学测试，无论是以1:1或1:2和1:50
比例拍摄时，微距镜头的解像在大部份光圈下都有极优异的表现；而1:49或1:50时的测
试，解像度比其它同等焦距的非微距镜头高很多。 然而微距镜头最大的问题是对焦设计
是专为近距而设的，故此在数十厘米至无限远的距离可能只须转动对焦环不足45o，在精
确度上可能大打折扣，但现今的AF 镜头已非常准确了，或可弥补这种问题。 故此，以
微距镜头拍摄正常距离的景物，甚至人像是绝无问题的，f/2.5或f/2.8光圈或许不能尽
用，因为常会有四角失光的情况，这是难免的，但收一级光圈已能解决，相反，拍摄微
距时，细的光圈容易造成绕射现象，因而f/8到f/11都会较为适合。 但一些微距镜用家
会知道，微距镜解像非常高，照片看下去好象有点「硬蹦蹦」，但各人有各自的喜好，
选择众多，随阁下所好吧！
[b] 误解六：入射式测光表比反射式准 [/b]
这种说法不够全面，客观来说，其实两者都一样准确，但对只用单一种测光方式的
人来说，相信某一种较为可靠是无可厚非的，因为两种均有各自的操作方式及量度方法
。但以反射式测光表来说，就稍比入射式麻烦，因为往往要考虑18%灰度的限制，而入射
式可直接量度投在主体上的光度，直接获得光圈值。 可是，我们相机上内置的均是反射
式测光表，好处是胜在够方便，因为不用每每走在主体面前测度，而且多是TTL(Throag
h the lens)，镜头的失光、滤镜等曝光因素也直接包括在内，减低错误发生，比入射式
容易及可靠。但主体及背景的色彩(如黑或白)都会造成测度错误，惟一方法是作曝光补
偿，只要多练习，要获得正确曝光并不是那么艰难。 而入射式本身已有比反射式优胜的
地方，但使用上是较为麻烦，若不介意多带一个测光表，这也没有问题，但千万要紧记
将镜头前的滤镜等因素计算在内。 还有，如NikonF5已设有3D RGB的反射式测光表，这
意味着反射式测光还有可跳出柜框的地方，只要解决18%灰度的限制，根本不用怀疑其准
确性。
[b] 误解七：密封防潮最可靠 [/b]
每逢到了雨季，拍友心情就最忧愁，因为心爱的器材随时受潮报销，有些人就疯狂
购买各类防潮用品，诸如吸湿器，抽湿机等。一旦下雨，就宁愿把相机镜头藏起，变成
湿度过敏狂，这样子，整个夏天可能连一筒菲林也拍不完，可说是非常可悲。 老实说，
香港这里的气候，要待RH低过60%的日子可谓少之又少，何况是在雨季。然而关上所有器
材亦未必能完全防潮，很多人都会有经验，放在密封盒里的「陈年」镜头也会不知何解
生了霉菌。其实要防止镜头发霉，防的不是湿应是菌。要制止镜头发霉，首要是了解为
何会发霉，潮湿和黑暗皆是霉菌的至爱，然而菌在空气中四散，根本防不胜防，若在密
封的防潮箱里，一样有霉菌，若加了防潮珠(一般都会用silica gel)，便能有一定的抽
湿作用(但不是永久的，一当饱和便效力全失)，市面有些可将水份吸进盒内的防潮器，
虽然吸水效果好明显，但笔者建议大家要小心，应勤一点检查是否已满或破漏，更要避
免放在过度高温的地方，因为水份一样有可能被蒸腾出来。所以，很多人宁愿有空拿镜
头出来把玩或者使用，见一见光已可大大减少发霉的机会。而一般放在冷气开放的房间
，只要空气流通，加上湿度低，镜头发霉的机会已非常低了。 若真的要把器材藏起一段
颇长的时间，最好是在湿度低的环境下，放进适量的防潮物料，以密封的箱盛载，记紧
要把镜头清洁干净，以免细菌滋长。据说有些电子防潮器也有一定的作用，但价钱却非
常昂贵。
[b]误解八：要经常抹拭镜片[/b]
市面有很多专为清洁镜头的器具甚至抹镜药水，究竟镜头应否经常需要抹拭的呢？
一般拍友自然是疼爱自己的器材，看见镜上沾了一粒尘已惊惶不已，急着买东西来清洁
镜头。 有一些人会用有扫的气泵把尘粒扫走或吹走，甚至用抹镜纸及药水擦拭，但这是
不太好的，除非镜面上所沾的污渍如手指模较难清洁，否则不要贸然用东西擦拭镜头表
面，因为此举可能会弄花镜面，也可能令部份涂膜脱落，但现今的涂膜已相当稳固，然
而此举始终太危险了。 建议为镜头加装一块UV或IB skylight滤镜作保护，就算弄污了
也可随意抹，甚至换一块新的，怎也比弄花镜头的镜片化算得多。 若真的需要，购买镜
头纸或镜头清洁剂时要小心，避免使用有酒精成分的清洁剂，因为这等会令镜头有所损
伤，用时不要将清洁剂滴在镜面上，若流进镜头内或镜片的边缘，亦会弄坏镜头。 因此
，最好的方法是尽量避免弄污两端的镜面，若沾了尘应用气泵轻力吹走，若是沾了手指
模或油渍可用高密度布料或已打磨的皮革抹拭。若是内部生了霉菌或有水气凝结(如出入
冷气场所)时，最好交回原厂保养中心代为处理。
[b]误解九：50mm焦距等于人眼 [/b]
人们常说50mm焦距是标准镜，又称与人眼的视觉效果相近，常说用50mm拍的影像就
最真最写实。但若细心从观景器望出去，与肉眼相比，可能所见到的影像大小又不是如
此，会发现50mm镜头下的影像会比大脑所接收的更广阔。若论视角(Angle of View)，5
0mm镜头只有46o，然而人眼可有接近120o，但为何人眼看到的又总不够50mm镜头广阔呢
？问题其实是出现在影像的平面大小上和镜片与人眼内的晶体之分别。 人眼所感光的地
方是在视网膜(Retina)上，而感光细胞所聚集的地方也只限于一点，即黄点(yellow sp
ot)，感应色彩的锥形细胞(cone cells)比黑白视觉的棒形细胞(Rod cells)少和更集中
。于是乎，您会发现看东西(如看书)的时候，只能习中看见中央部分，而其它圆周外的
字未必能够看清，但菲林就不同，只要镜头视角涵盖，而主体又是平面的话，整个平面
都会清晰，因为菲林面(24X35mm)都有相等的感光药物。 另一方面，用50mm拍摄出来的
影像，比例上与实物无分别的，只要将影像放大至与实物原大小一样放在眼前，与你在
实物前看其实是一样，但这并非只有50mm镜头可以做到，80mm、100mm、180mm……都可
做到。 究竟50mm真在哪里？或许从观景器里看比较接近人眼所见到的，但这要视乎主体
的距离，要记着：人眼看到是1:1的Life size，然而从观景器看的是有缩细的效果。还
有，50mm镜头的焦点或清晰平面分布是与人眼有别，因此，说50mm与人眼接近似乎可能
有点儿那个，但说50mm镜头没有严重变形和取景范围适中是「真」的表现也还是可以的
。
[b]误解十：镜头焦距会影响透视[/b]
有些拍友常常说某某20mm镜头很有透视感，又话某某300mm镜头很有压迫感，说这些
全都因为不同焦距有不同的透视感。 事实上，透视与焦距是没有关系的，而透视是指光
线的收缩效果，如用广角镜从地下拍摄整座大厦时，建筑物两边的线会向上收缩，而并
不是平行的。 一般来说，共有三个主要影响透视的因素：
不变的距离 假若保持在同一位置、同一角度，与主体保持不变角度，但以不同焦距
拍摄同一主体时，拍出来的照片将有不同的视场大小(Field of View)，而主体也会有不
同的放大率，用长些焦距的会有大一些的放大倍数；然而，透视是一点也不变的，不信
可将多张用不同焦距拍摄的照片放大或缩小至同一放大倍数来看，主体与背景之比例是
非常相近的，即是说透视也相近。 改变相机与主体之距离 透视与镜头焦距无关，但同
一支镜头与同一个焦距，若以不同的主体与相机距离拍摄，便会有不同的透视效果。 或
是，有多支不同焦距拍摄同一主体时，为了拍到接近相同大小的主体时，便更改拍摄的
距离，结果20mm的会摄到更多的背景，而100mm会有接近人眼视觉的效果，而200mm又可
能拍到背景与主体「压缩」或接近了的照片。 相机与主体之角度 另一个影响透视的因
素便是取景时的相机角度，若以广角镜拍摄时，从低角度拍摄站立着的人像时，看起来
便会是上身短、下身长，而从高角度拍摄时，则会有相反的效果。若以水平向着主体拍
摄，这种透视的变形便不会出现。 以后大家或不会再对以上各项摄影问题而存有误解了
，但摄影始终是非常变化多端的玩意，当中还有很多事项是值得讨论的，日后有机会的
话，或会再与读者分享。 [b][size=4][color=#ff4500]户外拍摄有十忌 [/color][/size][/b]作者： 凌鲲
[b]
一、忌阳光直射[/b]
亮丽的阳光提供良好的照明条件，使景 色有生气，色彩饱和，并为使用高速快门和 小光圈提供了条件。但是强烈的阳光也会带 来问题，最为突出的是它那耀眼的光线会使 被摄人物睁不开眼，同时，高角度的直射阳 光还会在人物脸上造成浓重的阴影，显出皮 肤皱纹，损害人物的形象美。所以在户外拍照，应多让阳光从侧面照射被摄者，忌脸部 直接面向太阳。
[b]
二、忌人物与有色环境过近[/b]
在明亮的光线照射下，物体的反光会增强，在这种情况下，人物应尽量远离那些色 彩明艳的景物(如新油漆好的建筑物的外墙、大型遮阳棚等)，否则那些景物的色彩会映射到人物身上，造成偏色。
[b]
三、忌顶光时人物站在水泥地上拍照[/b]
因为水泥地表面较平整，且颜色浅淡， 会形成较强的反射)亡，这种自下而上的"脚 光"，往往造成一种恐怖效果，应尽量避免。
[b]四、忌立于树旁拍照[/b]
光与影相辅相成，光愈强，影愈深。当 人物站在树旁拍照时，阳光时常会把树叶投 影到人物身上、脸上，造成斑驳的阴影，有 损于画面的美感。
[b]五、忌忽视滤光镜[/b]
在户外无云的蓝天下，所有避光处都带 上蓝色色罩；而在暮日的辉光映照下，所有 的景色都染上了一层橙红色。在如此环境中， 若想让摄得的景色保持原有的色彩，就必须 在镜头前装上相应的滤光镜，在前一种情况 下可选用淡红或琥珀色的滤光镜，在后一种 情况下可选用淡蓝色滤光镜。
[b]
六、忌采用高速片[/b]
在晴空烈日下，光线强度已很高，若再 采用高速片，往往会迫使光圈收到极小，或 无法使用较慢的快门速度。这些情况都会给 摄影创作带来某些方面的限制。
[b]七、忌胡乱补光[/b]
在明亮的日光照射下，景物会有很强的 反差。为避免反差过大，运用辅助光进行辅 助照明是有效的，但要掌握好分寸，既要避 免辅助光过亮，也要避免露出辅助光的痕迹 (如出现与主光相反的投影)。
[b]八、忌完全依赖自动曝光档[/b]
不少摄影爱好者在户外拍照喜欢使用自 动曝光档，殊不知这种自动曝光档只能处理 一些普通的情况，而遇到阴阳面各半或逆；光 等情况便会变"傻"，所以还得见机行事，根 据具体情况进行适当的曝光调整。
[b]九、忌逆光直冲镜头[/b]
在光线很强的情况下拍摄逆光照，要防 止光线直冲镜头，否则很容易产生光晕现象。
[b]十、忌穿反光过强的服装[/b]
在强光下拍照，被摄者如穿反光强的服 装(如白衬衫、发光尼龙做的服装等)，会变 得雪白一片或产生大块辉斑，使衣服质感难 以表现。 [b][size=4][color=#ff4500]偏振镜认知攻略 [/color][/size][/b]作者：colorbird
偏振镜，似乎我们用上了数码相机以后就很少提到这个名词了。由于价格问题——这个很实际的因素——数码单反尚不能很好地普及，那么，原先用在传统单反镜头上的偏振镜是否就难有用武之地了呢？恐怕也不尽然。佳能平价数码单反的问世至少让我们对数码单反多了一些希望。而对于那些仿单反的DC甚至是便携式的DC，我们一样有办法利用传统的偏振镜来满足我们对于画面的挑剔要求。
带着传统战场上的硝烟走进数码领域的“老鸟”们自然是对包括偏振镜在内的各种滤色镜了如指掌了。但是对于初入色门就上数码的玩家们来说，就有必要上一堂偏振镜的知识普及课了。
首先还不得不谈一点物理知识，先要弄明白的是：什么是“偏振光”。光是一种电磁波，是由与传播方向垂直的电场和磁场交替转换的振动形成的。它与无线电波没有本质的区别，只是波长更短一些而已。这种振动方向与传播方向垂直的波我们称之为横波。声波是靠空气或别的媒质前后压缩振动传播的，它的振动方向与传播相同，这类波我们称之为纵波。横波有一个特性，就是它的振动是有极性的。在与传播方向垂直的平面上，它可以向任一方向振动。我们一般把光波电场振动方向作为光波振动方向。如果一束光线都在同一方向上振动，我们就称它们是偏振光，或严格一点，称为完全偏振光。
[align=center][img]http://www.5isee.cn/UploadPic/NewsImg/20051112144759698.jpg[/img][/align] 呵呵，纯理论的东西，如果不是科班出身的话，一定晕了吧！那就说得直观一些：玻璃表面的反射光使我们拍摄不到玻璃橱窗里面的东西，水面的反射光使我们拍摄不到水中的鱼，树叶表面的反射光使树叶变成白色，这些现象的元凶都是偏振光。晴空的蓝天在与太阳方向成90度的垂直方向散射的也是偏振光，它使蓝天变的不那么幽深。如果消除了这些偏振光，许多照片会显得颜色更加饱和，画面更加清晰。
[align=center][img]http://www.5isee.cn/UploadPic/NewsImg/20051112144812831.jpg[/img][/align] 随着现在数码相机市场的丰富，仿单反的DC出来了、不可换镜头的DC出来了、万元以下的平价数码单反也出来了。这样，一些具有相当实用价值的传统滤色镜也到了“蠢蠢欲动”的时候了。但是，DC有它自己自动化程度较高的特点，也不是所有的偏振镜都能适用的。在偏振镜中，分为线型偏振镜（PL镜）和圆型偏振镜（CPL镜）两种。
[align=center][img]http://www.5isee.cn/UploadPic/NewsImg/20051112144823557.jpg[/img][/align] 线型偏振镜是最普通的偏振镜，但是这种最常见的偏振镜是不能配合自动化程度较高的数码相机的。因为现在的数码相机都具有自动对焦和自动曝光的功能，这些自动功能所需的部分光线信息会被线型偏振镜滤除，从而导致AE有可能不准，AF有可能失效。
这种情况下就要使用圆偏振镜（CPL镜）了。圆偏振镜可以看作由两部分组成：前一部分是一个普通的线偏振镜，能够滤除某个振动方向的偏振光。后一部分可以使透过它的偏振光振动方向在一个圆周上旋转。这种特殊的偏振光称为圆型偏振光，圆型偏振镜也因此而得名。圆型偏振光对于绝大多数光学元件来说，与非偏振光没有什么区别，所以圆型偏振镜可以在任何相机上使用。
[align=center][img]http://www.5isee.cn/UploadPic/NewsImg/20051112144835967.jpg[/img][/align][align=center][img]http://www.5isee.cn/UploadPic/NewsImg/20051112144844217.jpg[/img][/align]
从上面的这组对比图来看，没有使用偏振镜的时候，橱窗玻璃上有强烈的反光，而使用了偏振镜后，反光基本上就消除了。
当然，偏振镜不是万能的。如果阳光角度不合适，非金属表面反射的眩光可能偏振光成分很小。例如，拍摄树叶往往不能消除所有反光。如果使用超广角镜头，很难在画面中取得一致的效果。尤其拍摄天空时，与太阳夹角成90度的方向压的很暗，而其它方向几乎没有效果，造成天空颜色和亮度不均匀。拍摄水面时，部分水面没有反光，而另一部分反光很强。偏振镜由于有转动部分，镜片的边框厚度较大，用在超广角镜头上有可能暗角。建议使用超薄的偏振镜（当然价格会“辣手”一点）。
另外要注意的是：使用偏振镜时，由于需要转动滤镜，不宜使用遮光罩；应当尽量把相机放在阴影中拍摄。
还有一个问题：如果手里的数码相机的镜头不能加附加镜怎么办？其实，这个问题也很好解决。只要手头有一个直径大于相机镜头口径的偏振镜，使用时调好角度，放到镜头前就可以啦。虽然使用起来有点麻烦，但是，这个方法很有效，而且省了改装的麻烦和费用呢！ [b][size=4][color=#ff4500]和大家谈谈摄影构图
[/color][/size][/b]人们常说，画家所面对的挑战，是怎样在一张空白的画纸上，加上一些东西来使它变得有艺术性；而摄影家所面临的挑战则是迥然不同的，他们要从杂乱的环境中，超过运用构图技巧，把其中无关的景物除去，使画面看来具有艺术性。换句话说，作画是从一个空白的画面开始，然后决定把一些东西加进画面内，来表达自己的意念。摄影师(除非是静态的摆设)所关注的，就是怎样安排现有景物内的元素，借以表达自己的意念。
摄影家要想拍出好作品，就必须追求构图上的和谐。长期以来，人总结出了一些取得好的摄影构图所应遵循的基本法则，这些法则在一些摄影书刊和文章中，已经介绍得很多了。国外一些摄影名家却经常告诫人们，对摄影构图法则不要过分拘泥，因为它会束缚人们的创造性，重要的是理解其“精神”和“作用”。事实上，他们的许多名作也并非都是采用这些法则来创作的。然而，对于初学者来说，这些构图法则却有引导作用，容易入门；对于大多数摄影者来说，平时记住一些构图要 领，在拍摄以前就能生动地想象出照片拍出后会是什么样子，对于成功地创作一些优秀的摄影作品也是大有帮助的。
美国摄影家L．小雅各希斯认为：“构图是从摄影者的心灵的眼睛做起的。构图的过程也被称为‘预见’，就是在未拍摄某一物体之前或正在拍摄的时候，就能在脑海中形成一个图像或印象。通过经常析自己和别人的作品的构图，就会使自己的这种预见本领更加娴熟，变成一种本能。”奥地利摄影家伊涅斯特·哈斯对此也有同感，对于构图，他己达到手中无剑，剑在心中的境界，他认为、“构图在于平衡，每个人对平衡的处理都各有不同。”正如同武功达到最高境界时，已没有招式名称，只凭自己的功力去化解。关于相机在构图中的位置，他认为：“你越能忘记你的器材，·越能集中你的题材和构图，那么相机只是你眼睛的延续，再没有其他意义。”
小雅各布斯还认为：“构图的最基本的因素是线条、形式、质感以及这些因素之间的空间。当然色彩同样也是不可忽略的因素。会聚的线条一般能说明透视关系，但并不是所有的照片都非要表现出透视的深度不可。许多杰出的作品都是平面图案。在取景器中的某个景物或人物的肖像，都是根据摄影者个人的感受进行安排的。因此，怎样构图，和怎样选择主体、光线、色彩一样，也能成为一个摄影家独特的个人风格的基础。
“在大多数情况下，每幅照片中都有一个或一组形状或形式起主导作用，而照片中的色彩、体积、位置和其他形状等，都是为主导因素服务的。
“构图中的对比，是指大与小、明与暗、近与远、主动与被动、平滑与粗糙、色彩的浓艳与轻淡等等的对比。要多利用这些相互对立的因素，通过它门使主体影响整个构图。例如，恰当地利用对比法则，照片就会具有强大的魅力。”
有些人或许对构图有天赋。不过，根据美国摄影家维利·奎克的看法，几乎所有的人都能够通过应用一些基本法则，达到具有相当水平的摄影构图能力。为此，他提出了一些简单的方法。他认为，依据这些方法，任何人都能在短时间内学会拍出较好的照片。
维利·奎克指出，摄影者最易犯的错误是拍摄的祝点取得过高，与被摄体离得太远，致使画面出现各种各样与拍摄目的毫无关系的东西。他说：“请记住，画家是 把东西画进画面，而摄影者则是从画面去掉一些东西。” 他说：“一张照片应该只有一个趣味中心，画面上不能有无用的东西。如果你对某个物体是否有助于画面抱有怀疑，你就应尽可能地把它放弃掉。”
摄影构图法则中，人们最熟悉的可能就是所谓的“三分法”了，即将画面纵横均分为三份，从而使画面被分割成为九个相等的方块，四条分割线上出现四个交叉点。通常摄影者就在这四点上选择一处作为趣味中心的最佳位置(如图3—1)。画面右端那些交叉点，一般又被认为是最强烈的。但奎克认为：“这并不是说，趣味中心非得准确地置于交叉点上不可。正因为如此，实际上趣味中心常出现在交叉点附近。”
奎克指出：“每一幅照片都应保持一定的平衡。这就是说，对主要被摄体的安排，不能使画、面出现向分量大的一边倾倒。但平衡并不意味着将两个同样大小和同等形状的东西置于对称的位置。这里的关系，只要你看一下在玩跷跷板的孩子就知道了。跷跷板两边的孩子，小些的一个必定坐在离中央远些的地方，而大的孩子肯定坐在靠近中央的地方。”
奎克认为：“把突出的线条安排，指向趣味中心，是拍摄一幅悦目照片的另一个要素。这些线条被称为主导线，有效地利用主导线，可以创造出惊人的照片。把主导线安排成对角线，会产生有力的动感。
“线条常常在照片中提供一个边框。这可以通过选择视点来进行，例如在树下通过树枝框住画面上的被摄主体。此时通常使用小光圈，以使整幅照片清晰。这样做，也有可能使边框过于突出，但安排适当，会得到好照片。
“在一幅照片中，地平线的位置会给人以强烈的印象。拍摄时，地平线要尽量避免处在照片的等比线上，因为这样做会把照片均分为两半，给人以呆板的感觉。
地平线处在画面下方，会给人以宁静的感觉，而处于上方，给人的感觉则是活泼、有力的。 “此外，横幅画面可以产生安宁、平静的感觉，而竖直画面则会产生动态效果。”
奎克认为，以上方法如果运用得好，你的照片将会出现明显的改观，而且随着时间的推移，你很快就会学会鉴赏构图，从而为你增添摄影的乐趣。
摄影家瓦尔特·德·格鲁伊特对摄影构图作了一种全新的阐述。’他认为：“每一种构图都是以排列次序为基础的，就像我们从哥士达心理学和信息学原理中所了解到的那样，构图可以用多种方法获得。它产生于相似事物的组合以及对相反事物的强调。排列次序并不是千篇一律的，形态和色彩的疏密和对比也会产生排列次序。排列次序是以一种美学上的均衡为基础的，而均衡则从复杂、矛盾和动态之中造就和谐。”
他说：“任何人，只要懂得把照片分成单个的构图成分，借以得出它在美学上的一致性和合理性来审查照片的具体效果，就都会成功地创作出好的作品。"
"要获得令人满意的照片构图，须经常分析照片。” 他提出的分析照片构图的最重要标准是：
1．人物和环境的关系以及反差情况。
2.照片所传递的信息的价值以及类似事物。
3．照明和纵深。
4.突出的线条和照片的画幅。
对于如何获得较好的摄影构图，格鲁伊特提出了以下重要建议：
1．画面所提供的信息不能造成视觉上的混乱。
2．人物和环境的关系要有助于传达照片的意图。
3．应当避免由于人物和环境之间的含糊关系而可能产生的错觉。
4．明与暗的关系或者彩色对比的关系是非常重要的。
5．除了人物和环境在形式上的关系之外，对人物和环境的心理上的权衡也是 十分重要的，因为每个视觉印象都立即作出喜欢或不喜欢的判断。无偏好的估价意味着根本没有反应。
6．表现与我们熟悉的物体相类似的东西，使人容易辨认，从而能比较迅速地予以理解。因此，重复内容是必要的。
7．照片的复杂程度一定不能太低(感官刺激不够)，也不能太高(感官刺激过分)
8．每个人对每幅照片的美学评价总是不一样的，而且这种评价是受感情支配的。它在很大程度上取决于观众的认识，他的经历和他的敏感性。
9．形式主义和时髦风尚是不能持久的。这种缺乏独创性的缺点，是不可能用技术补偿的。
10．照明、透视、重叠和影纹的层次变化，有助于在二维空间的平面上体现出明显的纵深感。
11．不寻常的透视效果，有助于使照片生动活泼。
12．有意识地使用突出的方向线和选择适合主体的画幅，会加强照片的效果。 [b][size=4][color=#ff6347]对几个摄影问题的看法[/color][/size][/b]
[b]技术与艺术[/b]
摄影领域的基本真理之一是：每一张好的照片都是技术与艺术成功结合的结果。艺术，是指所选择的题材是用极动人的形式来表现的；是指画面的构图是良好的；是指光线的运用与被摄体的性质，照片的目的以及拍摄者的意图是协调的；是指照片是有意义、有知识性而且是有感染力的。可惜，很多摄影者都不太注意这些问题，或者不太懂得这些问题。他们只知道一张技术上不完美的照片——如影象模糊、颜色不正、粒子太粗、调子太平、反差太大——就是一张有缺陷的照片。但是他们就看不出是缺乏“艺术”性或者需要“艺术”性。
[b]
极大的错觉 [/b]
大多数人认为，摄影是一种复制过程。这是一个谬论。实物是立体的，而照片是平面的。物体是有颜色的，而在黑白照片中只有灰色影象。从这些局限性里，可以得出结论；既然一张照片受其自身性质的限制，决不可能是完全“自然主义”的，那么摄影者就应当最充分地利用一切手段和技术创作出激动人心的新颖的影象。就是说，以新的有趣的形式来表现熟悉的题材，或者把那些不借助相机的眼睛就无法看见的东西展现在我们的面前，从而扩大我们的视野。初学摄影的人一开始就得把自己从那些过时的清规戒律中摆脱出来。例如：认为建筑照片中的“会聚的垂直线”是一种缺点（实际上，这是垂直线条的非常正常的透视现象）；认为所有的广角镜头都会产生“变形”（实际上这种变形是同物体靠近的现象）；
认为180度的“鱼眼透视”是“不自然”的（实际上，这是鸟、鱼和昆虫通常的观察物体的方式）；认为彩色照片只有在拍摄照片时光线的光谱成分与彩色胶片色温相平衡的情况下才是“自然的”（如果真是这样，那么所有在金色的黄昏和红色的日出时刻拍摄的照片都将是“不自然”的了）；认为耀眼的光线照射到镜头上所产生的眩光和光晕都是必须避免的缺点（实际上，这种眩光和光晕象征着直射光线的明亮与光芒四射）；认为远摄镜头会“压缩空间”生产生一种“夸张”的透视形式（实际上，如果我们从纸板上一个矩形小孔观实物体时，也可以看到同样的透视现象）；
认为照片的颗粒粗是一个缺点（如果处理得当，粗颗粒可以成为一种创造性的表现手法，象征某种物体的质感，不用粗颗粒就表现不出来，或表现得不那么好）；认为影象模糊必然是操作上粗心大意的结果（影象模糊也许是动作的最好标志）等等。
[b]创造性地进行选择 [/b]
大多数业余摄影者，碰到一个吸引人的题材，就拿起相机来拍，而且往往只拍一张。相反，一个富于创造性的摄影师，除非遇到的是他毕生中绝无仅有的瞬息即逝的时机，他将从不同的距离和不同的角度对被摄体进行仔细的研究。他将考虑在不同光线或不同气氛下，这个被摄体将是什么样子。他将考虑自己的表现手段，如用什么镜头、胶片和滤镜，在思想上形成完整的影象（这是一种名为“预先想象”的过程，是每一个富于创造性的摄影家所力行的）。在一切准备就绪之后，他也不满足于只拍一张，而是对当时所表现的一切可能性加以探索，因为他懂得任何成功的摄影者都有这么两条原则：第一，你应当